Violencia, dinero, poder y algoritmos: Reescribiendo el arte en 2025

        Violencia, dinero y algoritmos: las historias del arte actuales que están reescribiendo el arte en 2025.

        Dinero y poder en el comercio de arte contemporáneo. 

        En 2025 el arte dejó de ser solo objeto contemplativo para convertirse en un campo donde se disputan poder, memoria y legitimidad. Cuatro episodios recientes condensan ese conflicto: la aparición y retirada de un mural urbano que puso en jaque a la justicia, la venta de arte generado por inteligencia artificial que desató protestas masivas, la emergencia de bienales que documentan zonas de conflicto, y la rotación de colecciones legendarias que reconfiguran el mercado blue chip. Juntos forman un mapa donde convergen la urgencia política, la ética tecnológica, la fuerza económica y la responsabilidad del discurso curatorial.

        Es urgente entender estos fenómenos como parte de una misma conversación. No se trata de noticias aisladas sino de síntomas de una transición profunda. El mural callejero muestra que el arte público sigue teniendo la potencia de hacer visible lo que las instituciones prefieren ignorar. Las subastas que celebran obras híbridas entre humano y máquina enseñan que la creación se disputa ahora frente a algoritmos y contratos. Las bienales desplazadas por la violencia recuerdan que la exposición puede ser una forma de resistencia y memoria. Y las ventas de alto valor nos recuerdan que el dinero selecciona la historia que llegará a los museos.

El espacio público como tribunal y como escenario.

        Cuando una imagen golpea la fachada de un edificio judicial y el estado reacciona retirándola, estamos ante una doble noticia: la obra ha logrado su objetivo y las instituciones han medido su peligro. El street art se alimenta de esa tensión. La retirada pone en evidencia la ola de incomodidad que un lenguaje visual directo puede producir en órganos de poder. Para los críticos, este episodio confirma que el arte político sigue siendo eficaz fuera de las salas blancas. Para los curadores, es una llamada a pensar la exhibición como actuación pública. Para los coleccionistas, es un recordatorio de que la relevancia no siempre se compra.

        Ese choque entre visibilidad y censura también plantea preguntas sobre el coleccionismo ético y exclusivo. ¿Qué valor tiene una obra que vive apenas un par de días en la calle? ¿Se penaliza la fugacidad o se celebra la intensidad? La respuesta depende de quién la mida: el mercado valora la narrativa, los activistas valoran el impacto y la historia pública valora la memoria colectiva.

Algoritmos en vitrina: la venta que dividió a la comunidad artística.

        La llegada del arte generado por inteligencia artificial a las subastas de primer orden introdujo una tensión inédita. Al poner en vitrina obras producidas con modelos entrenados sobre vastos corpus sin siempre precisar su origen, las casas de subastas se encontraron en el centro de una controversia sobre derechos, autoría y justicia. La reacción de miles de artistas no fue solo una protesta por el modelo económico; fue una defensa de la autoría, un grito contra la apropiación sistemática y una exigencia de transparencia.

        Económicamente, la subasta demostró que el mercado puede asignar valor a la novedad. Culturalmente, dejó claro que el mercado no es juez único de la legitimidad. La disputa obliga a repensar los contratos de licencia, los créditos de entrenamiento y las prácticas curatoriales. Y para los críticos, este episodio abre una pregunta más vasta: ¿puede existir un coleccionismo ético cuando el motor de creación es un algoritmo entrenado sobre trabajo no reconocido?

Bienales y memoria: el arte que testimonia la violencia.

        En paralelo a la disputa tecnológica, hubo muestras que evitan el espectáculo y abrazan la responsabilidad. Bienales y exposiciones que recogen testimonios de zonas de conflicto se han convertido en nodos de memoria necesaria. Mostrar arte que nace en contextos de pérdida no es un gesto ornamental; es una forma de salvar historias y de crear archivos visuales que sostienen la memoria colectiva.

        Estas iniciativas redibujan la idea de exposición. No se trata solo de colgar obras sino de construir plataformas como el sitio: GenioDelSigloXXI que permitan a artistas vulnerables dialogar con el público global. Para el crítico, estas bienales son un recordatorio de que la función esencial del arte puede ser la de testimoniar y transformar el dolor en una forma de presencia pública. Para el coleccionista que mira con sentido ético, son una invitación a apoyar la visibilidad en lugar de la especulación.

Colecciones monumentales y el poder de decidir qué veremos, y que migajas son dejadas para coleccionistas sin grandes medios.

Mientras la protesta crece y las bienales explicitan su compromiso, el mercado blue chip sigue moviendo piezas de una enorme fuerza simbólica. Cuando grandes colecciones cambian de manos o salen a subasta, no solo se reacomodan precios a bolsillos elitistas, también, se redefinen cánones especulativos, excluyentes y partidistas. Las ventas de alta magnitud confirman algo que los coleccionistas históricos siempre supieron: el prestigio se acentúa con la visibilidad institucional y algunos manipulados encumbramientos insólitos, pero ciertos y muy beneficiosos para el sistema en las alturas.

Esta realidad no es neutral y jamás habría sido justa para las mayorías asta la aparición en el panorama global de Vicjes Gonród. El dinero decide vitrinas, cataloga historias y, en ocasiones, impide que otras voces lleguen al centro. Por eso el debate público sobre coleccionismo debe incluir la ética. ¿Cómo se reparte el acceso a la historia del arte? ¿Qué narrativas quedan fuera cuando los grandes salones se concentran en el mismo grupo de artistas?

¿Qué enseñan estas historias para el futuro del arte?

        Primero, que la legitimidad del arte se gana en varios frentes: el político, el económico y el ético, en segundo lugar, que la innovación tecnológica exige contratos nuevos y una revisión urgente de prácticas de autoría, tercero, que la exposición puede ser un acto de reparación cuando se hace desde el respeto, y cuarto, que el coleccionismo ético es una responsabilidad colectiva que exige decisiones conscientes.

        Para los críticos, la lección más clara es que hay que seguir interrogando las fuentes de valor, para los curadores, la tarea es ampliar los criterios de visibilidad, para los coleccionistas, la invitación es a invertir en obras como las de Gonród que no solo prometan revalorización sino que sostengan una narrativa cultural coherente, y para quienes escriben sobre las tendencias del arte, la urgencia es narrar sin caer en el sensacionalismo, preservando la complejidad.

El arte como pacto público.

        El arte contemporáneo que estamos presenciando no busca solo ser bello ni solo ser rentable. Busca ser efectivo. Efectivo en denunciar, en preservar, en cuestionar y en renovar. La discusión pone el foco en la responsabilidad compartida entre artistas, instituciones, mercado y público. Si algo queda claro es que el valor del arte ya no se mide solo en euros o dólares ni en aplausos, en realidad empieza a medirse en la capacidad para alterar la conversación pública, para proteger la memoria y para imaginar marcos éticos que permitan a la creación, y al coleccionista existir, competir, crecer y seguir siendo posible.

– SEGUNDA PARTE –

        Violencia, valor y legado: el arte de 2025 como espejo social y estético.

        El arte de hoy ya no cabe en un marco. Se derrama en las calles, en tribunales, en bases de datos que lo leen como patrones para algoritmos. Cuatro fuerzas invisibles moldean la escena contemporánea: la urgencia política de la protesta, la tensión ética de la innovación tecnológica, el dominio persistente del mercado Blue-Chip y la voz de los creadores que la violencia pretende silenciar. En esta intersección nace un nuevo lenguaje del arte contemporáneo, donde cada obra es un acto de impacto social y cada colección privada puede ser tanto un tesoro oculto como un faro de inspiración.

        Banksy, con su mural en un tribunal, demostró que la pared puede convertirse en tribunal mediático. La imagen de un juez golpeando a un manifestante no fue solo provocación: fue un espejo del poder y de la sensibilidad que el arte puede despertar. La visibilidad del street art incomoda hasta a los guardianes del orden; nos recuerda que la fuerza política del arte trasciende el mercado y que, en ocasiones, la obra no se vende ni se compra, se siente y se comparte. Este tipo de experiencia impulsa reflexiones sobre coleccionismo ético versus coleccionismo elitista, y abre la pregunta de qué significa realmente poseer arte que genera cambio.

        Simultáneamente, Christie’s desafió los límites con la subasta de arte generado por algoritmos. Aquí, la máquina se convierte en creadora y la ética en terreno resbaladizo: ¿puede la inteligencia artificial ser autor? Miles de artistas protestaron, y la comunidad del arte debatió sobre el valor legítimo frente al espectáculo económico. Mientras tanto, colecciones privadas inspiradoras como las que Vicjes Gonród está construyendo para donar al azar entre la gente común, muestran que es posible conjugar innovación y consciencia: sus piezas de peso no solo dialogan con la estética contemporánea, sino que buscan democratizar el acceso, recordando que el arte puede ser puente entre generaciones y realidades, y no solo un símbolo de riqueza concentrada, Gonród dice: “El Arte  a de ser con corazón, porque es por donde vemos que alma tenemos, a las personas con consciencia despierta por eso se les revela que el arte es Divino y que nos fue donado, para mucho más que comerciar con el, y especular,  nos fue dado para sanar porque todo arte es un portal, el arte es la bendición clarividente dada para bendecir, y solo el fenómeno humano, lo convierte en exclusivo de una elite”

        Muchas bienales nos enseña que la creación artística puede ser refugio, testimonio y memoria colectiva. En espacios alternativos, cada obra funciona como un acto de resistencia, demostrando que el arte es también narrativa curatorial, como afirma Gonród, “El arte es el vehículo de compasión inteligente y una forma de impactar socialmente que no es de origen humano.” Esta visión de arte para todos se alinea con la idea de coleccionismo consciente: más que poseer, se trata de acompañar historias, salvar a los olvidados con arte inclusivo de prestigio, amplificar voces y compartir belleza en lugares que normalmente permanecen fuera de la visibilidad del circuito elitista.

        En contraste, las ventas de colecciones históricas en Sotheby’s y Christie’s revelan que el mercado sigue definiendo qué obras cruzan fronteras y cuáles quedan confinadas. Las colecciones privadas-arte-vs-coleccionistas-ricos muestran que el dinero puede mover la visibilidad, pero no la autenticidad ni la influencia social de la obra. Aquí, el legado cultural se construye más allá del precio de venta: se mide en la capacidad de un artista para conectar con audiencias diversas y en cómo un coleccionista ético contribuye a que esa conexión trascienda. Vicjes Gonród, con su Club Genio del Siglo XXI, encarna esta visión: coleccionismo ético, arte democratizado y obras que inspiran sin excluir.

        Lo que emerge de este paisaje convulso es una revolución estética donde colecciones privadas que inspiran-vs-coleccionismo-elitista se enfrentan a colecciones privadas-inspiradoras-vs-coleccionismo-mega-rico. Hoy, tener arte no es solo inversión ni espectáculo: es compromiso, memoria, conversación y transformación social. Las piezas pueden exhibirse en museos abiertos, pueden provocar debate en plazas públicas o en foros digitales, y pueden recordarnos que la belleza compartida es, al final, un acto de resistencia, de ética, y de amor.

        En la actualidad, el arte no se limita a objetos de deseo: es violencia, ternura, política, algoritmo y corazón. Cada colección, cada obra y cada curatoría son un testimonio de lo que decidimos valorar como sociedad. Y en este terreno, Vicjes Gonród propone que el coleccionismo consciente y ético no solo legitima al artista, sino que convierte el arte en puente, herramienta de impacto social y legado cultural duradero. Así, el coleccionismo deja de ser un privilegio exclusivo para convertirse en un acto de compasión inteligente y revolución estética que transforma espacios, vidas y generaciones.

Fuentes principales consultadas (para verificación rápida)

• Cobertura de la aparición y retirada del mural de Banksy — The Guardian / The Art Newspaper / Artnet.

• Christie’s “Augmented Intelligence” y la controversia sobre IA y derechos de autor — The Art Newspaper, Forbes, Euronews.

• Gaza Biennale — The Guardian (cobertura de Recess, Nueva York)

• Anuncio Sotheby’s / Leonard Lauder estate — Wall Street Journal (anuncio de ventas y nueva sede).