Coleccionismo de Arte y Coleccionistas de Arte:
Historia del Arte de Vicjes Gonród.
HISTORIA del ARTE DEL SIGLO XXI DE VICJES GONRÓD, HISTORIA DE LA PINTURA DEL GENIO DEL ARTE DEL SIGLO XXI, ng.
Vicjes Gonród el primer genio del arte del siglo XXI no genio. El mejor amigo de los amantes del arte, coleccionistas de arte e inversores. España.
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Si eres coleccionista de arte y deseas ser parte del coleccionismo más oportuno y visionario de nuestro tiempo. Descubre la fascinante historia de Vicjes Gonród, el primer Genio del Arte del Siglo XXI no genio de la historia del arte. Explora su estilo único “El Arte C.C.” y su impacto en el arte contemporáneo. Conoce cómo Gonród integra lo español con lo universal, creando obras que resuenan emocional y espiritualmente. Ideal para coleccionistas visionarios que buscan invertir en un legado artístico duradero. Aprende sobre su técnica innovadora y su conexión con la neurociencia, y cómo su arte trasciende las barreras del tiempo y la geografía. Un viaje hacia tu destino en la evolución del arte de la firma reveladora Gonród y la espiritualidad.
Hola, sea bienvenido/a a la Web que expone y muestra las obras de arte del Genio del Arte del Siglo XXI no genio Vicjes Gonród. Este espacio aborda diferentes temas que versan sobre la historia del arte, pintura, estilos, frases sobre el arte y la historia del arte entre otros asuntos también abordamos las características del arte moderno, contemporáneo y en fin del arte actual y seguidamente hacemos un breve repaso por las principales características de algunos de los diferentes estilos más importantes de la historia del arte. Siglo 20 y XXI, siglo XX y 21. El Genio del arte no genio Vicjes Gonród es el creador del estilo El Arte C.C. sincrético.
HISTORIA DEL ARTE DE LA PINTURA DEL GENIO DEL SIGLO GONRÓD.
ABRIMOS ESTE ARTÍCULO CON FRASES SOBRE EL ARTE.
A continuación cuatro frases sobre pintura de grandes pintores y cuatro frases del artista Vicjes Gonród el genio del arte del siglo XXI.
Frase sobre pintura del pintor de pintores Leonardo da Vinci
La pintura es poesía muda; la poesía, pintura ciega”
Frase sobre pintura del pintor de pintores Pablo Picasso
“La pintura es otra manera de llevar un diario personal «
Frase sobre pintura del pintor de pintores J. Pollock
La pintura tiene una vida propia. Yo trato de dejar que aflore
Frase sobre pintura del pintor de pintores Pablo Picasso
La pintura es más fuerte que yo, siempre consigue que haga lo que ella quiere
Frase sobre arte de Vicjes Gonród el Genio del Arte del Siglo XXI no genio:
“La pintura es una criatura inmortal que sobrevive utilizando lo mortal del artista para reproducirse y procrear”
Frase sobre arte de Vicjes Gonród el Genio del Arte del Siglo XXI no genio:
“El secreto de la pintura está en aprender a pintar desde el inicio como el pintor longevo pinta en la vejez, instintivamente y sin ataduras y a veces el secreto estriba en olvidar lo aprendido”
Frase sobre arte de Vicjes Gonród el Genio del Arte del Siglo XXI no genio:
“La creación artística es pasión y evita en el templo que es el alma del artista en delirante amor al arte, donde veneramos colores, líneas, texturas y formas para acabar venerando todo lo universal”
Frase sobre arte de Vicjes Gonród el Genio del Arte del Siglo XXI no genio:
“La creatividad fluye cuando no la buscas y el pintor no fluyes hasta que se encuentra”
Frase sobre arte de Vicjes Gonród el Genio del Arte del Siglo XXI no genio:
“Cuanto pinto es sonido lo que mezclo en mi paleta, melodía para cada color, pues compongo mi sinfonía para sentirla calarme en el silencio, sin la luz, ni suspiros”
INTRODUCCIÓN:
- Vicjes Gonród el Genio del Arte del Siglo XXI no genio, genio del arte por destino, revelación y misión, pero no se siente aludido, por ello el mismo se denomina Genio de Nada.
- Soy Vicjes Gonród el Genio del Arte del siglo XXI No genio, sí imperfecto, flexible, simple, vacío, sin gran yo, forma, protagonismo o deseos, sí compasivo, en armonía y en unidad.
- Vicjes Gonród es el artista de los Corazones Sagrados, pintor, escultor, escritor, profesor, terapeuta, poeta, diseñador, inventor y filosofo etc.
- Pero nos dice: Ser simple, modesto, verdadero, sin teatralidad, ni extravagancia, sencillo, sutil, insignificante, fiel y sin atribuirme nada de cuanto se me ha revelado en esta vida en medio de todo sin sentirme merecedor jamás de nada pese al destino.
Historia del Arte del Siglo XXI de Vicjes Gonród. Historia de la Pintura del Primer Genio del Arte del Siglo XXI, no genio
El arte siempre ha sido un medio para capturar la esencia de la humanidad, y dentro de ese vasto universo, Vicjes Gonród, el Genio del Arte del Siglo XXI, no genio, se destaca como una figura revolucionaria. Gonród no es solo un artista; es un visionario que ha transformado la forma en que comprendemos la pintura y el arte contemporáneo, llevando a los coleccionistas y amantes del arte a reflexionar sobre la profundidad y el significado de cada trazo, color y forma.
Vicjes Gonród, autodenominado “Genio de Nada”, es un artista del siglo XXI cuya trayectoria y filosofía desafían las convenciones del mundo del arte. Su título de “Genio de Nada” no es una autoproclamación arrogante, sino una reflexión sobre su rechazo a la autoimportancia y el endiosamiento. En 2003, recibió una confirmación divina de su misión artística con la confirmación de su destino con dos milagros en forma de corazones tallados en la corteza de árboles de nogal en Ormaiztegui y Azcoitia, Guipúzcoa. Estos corazones, considerados signos providenciales, subrayan su propósito de transformar el arte y desafiar las normas elitistas del comercio artístico.
Gonród es el creador del estilo ‘El Arte C.C.’ y el artista detrás de los ‘Corazones Sagrados’, un homenaje a los milagros que marcaron el comienzo de su carrera. Su obra abarca una amplia gama de disciplinas: es pintor, escultor, dibujante, escritor y poeta. Además, actúa como profesor en diversas áreas, desde arte hasta terapias alternativas, incluyendo yoga, autoconocimiento, autoestima y autodefensa para mujeres. Esta versatilidad refleja su compromiso con el desarrollo integral del ser humano y su rechazo a la exclusividad y elitismo del mercado del arte.
Su enfoque es una crítica al sistema elitista que favorece a unos pocos y excluye a quienes no pueden permitirse el arte de peso e inaccesible. Gonród promueve un arte potencial sin parangón accesible, potencialmente transformador y no excluyente, abogando por un mundo en el que el arte sirva para el bien común, en lugar de convertirse en un símbolo de estatus para unos pocos privilegiados.
En un mundo a menudo marcado por la teatralidad y la excentricidad, Vicjes Gonród se destaca por su simplicidad y modestia. Su filosofía y sus acciones no solo reflejan su arte, sino también un profundo respeto por los valores éticos y humanos, ofreciendo una alternativa refrescante en el panorama artístico contemporáneo.
Gonród, quien se autodenomina “Genio de Nada”, ha desarrollado su propio estilo artístico conocido como “El Arte C.C.”. Este estilo refleja su búsqueda constante de simplicidad, originalidad y autenticidad, lo que sin duda, junto a sus talentos y revelaciones, lo convertirá en una figura indispensable en la historia del arte español contemporáneo. Su obra se caracteriza por la fusión de diferentes corrientes y técnicas, creando un lenguaje visual que resuena profundamente con el espectador.
El Legado de Gonród en la Historia del Arte La historia del arte está repleta de momentos icónicos y artistas influyentes, desde los maestros renacentistas hasta los pioneros del modernismo. Sin embargo, la aparición de Gonród marcando un hito en el arte del siglo XXI lo diferencia, y lo define con su estilo personal “El Arte C.C.” unido a la creación de la doctrina para la enseñanza de su estilo, desarrollado para potenciar la creatividad iluminadora en los artistas, es una aportación valiosa, única. Su enfoque revolucionario del color y la forma desafía las normas tradicionales, al tiempo que honra los legados de gigantes como Leonardo da Vinci, Pablo Picasso y Jackson Pollock. Sus pinturas no solo son obras visuales, sino también manifestaciones filosóficas que invitan a la introspección.
Un Breve Recorrido por el Arte a través de la Historia Para comprender el impacto de Gonród en el arte contemporáneo, es esencial contextualizar su obra dentro de la evolución del arte a lo largo de los siglos. Desde el arte bizantino y románico hasta el surrealismo y el cubismo, cada período artístico ha dejado su huella en la historia. Vicjes Gonród ha sabido integrar influencias del arte clásico y moderno, creando un puente entre el pasado y el presente.
En el siglo XX, movimientos como el cubismo y el surrealismo rompieron con las convenciones establecidas, permitiendo a artistas como Picasso y Dalí explorar nuevas formas de expresión. Del mismo modo, Gonród utiliza la libertad artística para desafiar las percepciones tradicionales del arte, creando un diálogo entre lo visible y lo invisible, lo tangible y lo etéreo, revolucionando y transformando lo caduco del sistema comercial del arte excepcional partidista, y desafiando en lo cultural actual los paradigmas, con sus propias críticas, reflexiones, premisas y acciones.
El Estilo el Arte C.C. Un Estilo Único el cual sería criminal tratar de resumir. Pero por mencionar algo al respecto: “El Estilo el Arte C.C.” es un estilo que es en sí mismo una senda iluminadora para los artistas que se atrevan a transitarla, y es la culminación de años de exploración y experimentación artística de Gonród. Este estilo se basa en la fusión de intuición, lucidez, consciencia cósmica, sincretismo y supraconsciencia creativa, donde el artista combina diversos elementos culturales, filosóficos y visuales para crear una obra que trasciende los límites del arte convencional. Cada pintura de Gonród es una sinfonía de colores y formas que dialogan entre sí, evocando emociones profundas y revelaciones espirituales.
La Filosofía detrás del Arte de Gonród Gonród ve la pintura como un medio para expresar lo que no puede ser dicho con palabras. En una de sus frases más memorables, afirma: “La pintura es una criatura inmortal que sobrevive utilizando lo mortal del artista para reproducirse y procrear”. Esta perspectiva refleja su profundo respeto por el arte como un acto de creación que va más allá de la simple técnica; para él, es un acto de devoción, un proceso espiritual en el que el artista y la obra se fusionan en una unidad inseparable.
Continúa diciendo: “DE NIÑO A NIÑO.”
«Elige que el mejor artista para invertir en arte en el Siglo XXI sea como un bebé, porque el arte más rompedor y poderoso, es y será, incluso desde su raíz el más inocente, el de un Dragón dormido, despertándose.» Vicjes GONRÓD.
«Solo los coleccionistas visionarios de hoy sabrían intuir lo que los críticos de mañana llamarán “genialidad”. La idea intrigante de la naturaleza impredecible y subjetiva del mercado del arte se desvanece frente al artista visionario que les guía por amor al arte, pues tan solo con la autenticidad y la pureza que un niño puede encarnar se podrían desarmar las convenciones preestablecidas del arte y su elitista exclusión, permitiendo a los excluidos convertirse en millonarios, y no exactamente por arte de magia.
Pero aquellos coleccionistas de arte que pretendan buscar lo que más anhelan descubrir, con mente adulta, no lo verán y se perderán el Dragón que tienen delante, y estos nunca realizarán sus grandes sueños porque el Ego jamás nos revela nuestro niño interior, y dado que al sistema jamás le convendrá hablarles de ningún artista independiente mientras no les reporte beneficios, le toca a cada coleccionista el hilar fino y saber separar la paja del grano en nuestra época.» Vicjes GONRÓD.
Filosofía y enfoque Gonród aspira a promover la equidad en el comercio del arte, permitiendo a todos los amantes del arte y a los coleccionistas acceder a sus obras de manera más justa y eficiente. Dice: Mi lema es “Invierte en justicia, cosecha equidad”. “Maximiza tus ganancias con visión innovadora, y rentabiliza tu economía, pues la eficiencia es maestría” “El arte no se mide por la realidad del sistema, sino en sostenibles impactos comerciales”.
“No Genio, porque simplemente no veo ingenio en ser tal cosa, y mucho menos, tal cual hoy se sobrestima, valora y cataloga el prestigio, y visto lo visto, sabiendo lo que sé y enfrento, no gracias, me abstengo, paso, hasta dentro de muchas reencarnaciones, pues aún es muy prematuro para sembrar la completitud del concepto entre nos, y no es tiempo de dicha cosecha entre las almas, pues, este solo es el principio, para aprender a descender de los árboles de la mente, en virtud.” Vicjes Gonród.
Reflexión sobre la humildad, el autoconocimiento y la verdadera grandeza humana. Dice:
“Quien se denomina a sí mismo no genio o el genio de nada, no se envanece si lo elogian, y al igual que no se subestima no se alaba, simplemente se observa y se mantiene en su esencia, quien se denomine genio no solo no sabe que no sabe nada, sino que queriendo aparentar ser el más grande entre los hombres y el primero, está para el reciclaje.” Vicjes GONRÓD.
“Una persona que no se autodenomina “genio” ni intenta ser percibida como tal, está en sintonía con su verdadera esencia. Esa persona se observa a sí misma sin la necesidad de engrandecerse ni subestimarse, ya que la verdadera sabiduría y grandeza no necesitan proclamarse. En contraste, aquel que se autoproclama “genio” no solo demuestra su ignorancia, sino que, al intentar presentarse como superior a los demás, se revela como alguien cuya relevancia es efímera o su aporte de vida vana, y siempre será desechable (“es el mejor candidato para el reciclaje, borrón y vuelta a nacer”). Porque lo cierto es que quienes buscan el reconocimiento explícito son aquellos que más carecen de esa grandeza genuina.” Vicjes GONRÓD.
“Entre ser o no ser, elijo no ser; entre genio y figura, elijo la supra-consciencia y, solo a veces, la consciencia en la vigilia para servir.” Vicjes GONRÓD.
“Quien tiene un VINCENT VANGOGH no carece y quienes tengan un VICJES GONRÓD tampoco carecerán.” Vicjes GONRÓD.
“LOS SECRETOS DEL ARTE SE DESVELARON EN EL RENACIMIENTO, PERO LOS SECRETOS DE LA GENIALIDAD JAMÁS, PORQUE CIERTOS ALQUÍMICOS SON DE TAL MAGIA, CIENCIA, MÍSTICA Y FILOSÓFICA ESPIRITUALIDAD QUE EMERGEN OCULTOS.” Vicjes Gonród.
“Los genios, tanto del pasado como del presente, comparten una pasión ardiente y enfrentan la sombra de la ambición. A pesar de la evolución tecnológica, la llama de la creatividad se mantiene constante. Esto revela que el amor puro por el arte trasciende el tiempo y las barreras personales, desafiando cualquier excusa para no crear y mostrando que la verdadera esencia del arte reside en la pasión y autenticidad del corazón.” Vicjes GONRÓD.
El Arte como Transformación Personal A lo largo de su carrera, Vicjes Gonród ha destacado la importancia de pintar desde el alma, sin ataduras ni restricciones. En sus propias palabras: “El secreto de la pintura está en aprender a pintar desde el inicio como el pintor longevo pinta en la vejez, instintivamente y sin ataduras”. Este enfoque permite que cada obra de Gonród sea un reflejo genuino de su estado interior, de sus emociones y pensamientos más profundos.
La Conexión entre Arte y Espiritualidad Uno de los aspectos más fascinantes de la obra de Gonród es su capacidad para combinar la espiritualidad con el arte. El artista considera que la creación artística es una forma de veneración, un acto de amor hacia lo universal. En sus propias palabras: “La creación artística es pasión y evita en el templo que es el alma del artista en delirante amor al arte”. Esta conexión profunda entre el arte y lo divino es evidente en cada una de sus obras, donde los colores, las líneas y las texturas parecen vibrar con una energía única.
Gonród y los Grandes Maestros del Arte A lo largo de la historia, los grandes maestros del arte han dejado su marca indeleble en la evolución de la pintura. Leonardo da Vinci, por ejemplo, describió la pintura como “poesía muda”, una reflexión que resuena en la obra de Gonród. Del mismo modo, Picasso afirmaba que “la pintura es otra manera de llevar un diario personal”, una idea que Gonród ha llevado a un nivel completamente nuevo al integrar su vida personal y espiritual en cada una de sus creaciones.
La Influencia del Surrealismo y el Cubismo El surrealismo y el cubismo, dos de los movimientos más influyentes del siglo XX, han dejado su huella en el trabajo de Gonród. Al igual que Dalí, Gonród explora lo onírico y lo inconsciente, creando paisajes visuales que desafían la lógica y la razón. Y como Picasso, Gonród descompone las formas y las reconstruye desde nuevas perspectivas, permitiendo al espectador ver el mundo de una manera completamente nueva.
El Impacto de Gonród en el Arte Contemporáneo y lo que realmente distingue a Gonród es su capacidad para conectar con el espectador a un nivel profundo y emocional.
El Legado del Genio del Siglo XXI no genio del siglo XXI. El legado de Gonród está aún por escribirse, pero una cosa es segura: su influencia en el arte del siglo XXI será duradera. Su capacidad para reinventarse constantemente, para desafiar las convenciones y para crear obras que resuenan con el espíritu de nuestro tiempo, lo posiciona como una de las voces más originales y poderosas a tener en cuenta en el mercado del arte contemporáneo y por el mundo del coleccionismo visionario.
La Evolución de Gonród como Artista El recorrido artístico de Vicjes Gonród ha sido tan fascinante como impredecible. Desde sus primeras obras, se percibía una clara inclinación por lo instintivo, un deseo de crear arte libre de las imposiciones tradicionales. Sin embargo, no fue hasta la creación de su estilo El arte C.C. a sus 20 años de edad, que Gonród realmente encontró su voz como artista. Este estilo no solo marca un antes y un después en su carrera, sino también en la manera en que el arte contemporáneo español es percibido globalmente.
A lo largo de los años, Gonród ha transitado por diferentes fases artísticas, experimentando con materiales, técnicas y conceptos, pero siempre manteniendo una coherencia interna que lo distingue. Su obra es un reflejo de su evolución personal, en la que el arte no es solo una forma de expresión, sino también un medio para alcanzar la trascendencia espiritual.
Gonród en el Contexto del Arte Español Contemporáneo El arte contemporáneo en España ha visto una revitalización en las últimas décadas, y Gonród será uno de los principales actores en este renacimiento. Aunque su obra trasciende las fronteras nacionales a través de su propia Galería de arte online GenioDelSigloXXI.com, su identidad como artista español es innegable. En sus pinturas se puede percibir una profunda conexión con la tradición artística de su país, desde los grandes maestros del Siglo de Oro hasta los movimientos más vanguardistas del siglo XX.
Sin embargo, lo que diferencia a Gonród es su capacidad para integrar lo español con lo universal. Su obra no está anclada en una geografía específica; más bien, explora temas que son relevantes para la condición humana en su conjunto, como el amor, la muerte, la espiritualidad y la búsqueda de sentido.
El Llamado a los Coleccionistas de Arte Los coleccionistas de arte siempre han buscado piezas que no solo sean visualmente impactantes, sino también emocionalmente resonantes. Las obras de Vicjes Gonród cumplen con estos dos requisitos y van más allá. Cada cuadro, escultura o dibujo creado por el primer Genio del arte del Siglo XXI no genio es una ventana al alma del artista, un reflejo de sus pensamientos más íntimos y de su conexión con lo trascendental.
Los coleccionistas que buscan adquirir una obra de Gonród no solo están comprando una pieza de arte; están invirtiendo en un legado, en una parte de la historia del arte que será recordada por generaciones. Las obras de Gonród están llenas de significado y profundidad, lo que las convierte en piezas clave para cualquier colección de arte contemporáneo que se precie.
Su trabajo refleja una comprensión profunda de las corrientes artísticas actuales y una habilidad excepcional para conectarse con el público a nivel emocional y espiritual. Esto es lo que convierte a los artistas auténticos y polifacéticos en una figura central en la escena artística global.
La Técnica de Gonród: Un Proceso Único El proceso creativo de Vicjes Gonród es tan fascinante como sus obras. Gonród no sigue un enfoque tradicional; en lugar de eso, deja que la intuición en la abstracción meditativa dentro de una fase que es la más contemplativa dentro de su estilo lo guíe creativamente. Sus pinceladas son fluidas, libres de restricciones, lo que le permite capturar la esencia misma del momento en que está creando. Esta libertad es una de las razones por las que sus obras son tan poderosas, trascendentes, espiritualizadas y evocadoras.
La técnica de Gonród es una mezcla de improvisación y maestría. Aunque sus pinturas pueden parecer espontáneas, detrás de cada trazo hay años de práctica y una comprensión profunda de los principios del arte. Gonród domina la técnica, pero no se deja limitar por ella, lo que le permite crear obras que son tanto visualmente impactantes como emocionalmente resonantes.
El Impacto de la Neurociencia en el Arte de Gonród Uno de los aspectos más innovadores del trabajo de Gonród es su integración de principios de neurociencia en su arte. Gonród ha estudiado cómo el cerebro humano responde a diferentes colores, formas y patrones, y ha utilizado este conocimiento para crear obras que no solo son visualmente atractivas, sino que también desencadenan respuestas emocionales de profunda armonía en los espectadores.
Este enfoque ha permitido que las obras de Gonród resuenen de manera más profunda con los coleccionistas de arte, quienes no solo admiran la estética de sus creaciones, sino también la forma en que estas conectan con sus emociones y su subconsciente. El uso de los descubrimientos trascendentales de creatividad de su Estilo el Arte C.C. combinado con sus estudios de la neurociencia en su arte es una de las razones por las que sus obras son tan poderosas y únicas.
Un Futuro Brillante para el Genio del Siglo XXI, no genio. El futuro de Vicjes Gonród como artista es prometedor, no solo porque le ha sido vaticinado y nos lo revela a tiempo. A medida que sigue explorando nuevas ideas y técnicas, su obra continuará evolucionando y desafiando las normas del arte contemporáneo. Su capacidad para innovar y su profunda conexión con la esencia humana garantizan que para la historia será una de esas figuras relevantes en la escena artística global.
Si hay coleccionistas y amantes del arte que aún no han descubierto el genio de Gonród están perdiendo la oportunidad de formar parte de algo verdaderamente extraordinario. Las obras de Gonród no son solo piezas de arte; son manifestaciones de una mente brillante que seguirá influenciando el universo artístico marcando tendencias durante generaciones.
Conclusión La historia del arte de Vicjes Gonród es una narrativa en constante evolución, un testimonio de la capacidad humana para crear, inspirar y transformar. Como el primer No Genio del Arte del Siglo XXI, y su legado en el mundo del arte contemporáneo seguirá creciendo, como por fuerza mayor.
La historia del arte de Vicjes Gonród es una historia de innovación, exploración y transformación. Su enfoque único y su estilo inimitable lo han convertido en una figura central en el mundo del arte, y su legado seguirá inspirando a generaciones de artistas y coleccionistas en los años venideros.
Para aquellos que buscan entender el arte desde una perspectiva profunda y espiritual, las obras de Gonród son una revelación, y sus revelaciones sobre su destino son el mapa que guía al coleccionista a una mina solo soñada. Su capacidad para combinar lo intuitivo con lo sincrético, lo personal con lo universal, lo visual con lo emocional, convierte su arte en nuestra era en el mapa del tesoro. Cada obra de Vicjes Gonród es una invitación a explorar el arte desde una nueva perspectiva, y su impacto en la historia del arte contemporáneo será recordado por siglos.
«TU DECISIÓN, TU LEGADO»
La Galería GenioDelSigloXXI Gonród> Desde España Informando a Tiempo Para El Mundo
HISTORIA Del ARTE DE LA PINTURA.
INTRODUCCIÓN: La historia del arte y la historia de la pintura de forma breve y amena, resumen de la historia del arte antiguo, historia del arte moderno, contemporáneo, actual.
La pintura artística es la búsqueda personal del mensaje visual, la pintura emerge entre múltiples formas, los colores y tonos, a través de la pintura cada pintor crea su simbiosis imaginativa y se expresa técnicamente según su estilo teniendo en cuenta el equilibrio en la composición, ritmo, la facturación de las líneas, las formas, el color y los valores.
Por medio de la pinturas los pintores expresan sus emociones, pensamientos e ideas en diversos materiales, el pintor suele pintar según lo que siente y se desarrolla en continua experimentación y búsqueda de su estilo.
BREVE HISTORIA DEL ARTE DE LA PINTURA
El ARTE DE LA PINTURA
Durante el Renacimiento italiano en el siglo XV los creadores de obras artesanales múltiples y los artistas con obras de arte únicas se clasificaron según su distinción, a los primeros se les denomino artesanos y a los segundos, los de las bellas artes, pero tanto los pintores, los escultores como los arquitectos seguimos siendo artesanos, porque el dibujo en si es artesanía y si siendo como es que todavía hoy en el siglo XXI el dibujo sigue siendo la base de toda escultura, pintura, grabado y la arquitectura, opino que la línea divisoria es ínfima si la hubiera.
RECORRIENDO LA HISTORIA DE LA PINTURA: A CONTINUACIÓN LISTA DE TODOS LOS CONTENIDOS TRATADOS
El estilo de la pintura contemporánea en España.
El estilo de la pintura Prehistórica y antigua.
El estilo de las pinturas Rupestres.
El estilo de la pintura Egipcia.
El estilo de la pintura Minoica.
El estilo de la pintura Griega.
El estilo de la pintura Romana.
El estilo de la pintura Medieval.
El estilo de la pintura Gótica.
El estilo de la pintura Gótico internacional.
El estilo de la pintura Giotto.
El estilo de la pintura Renacentista.
El estilo de la pintura Renacentista temprana.
El estilo de la pintura del alto renacimiento.
El estilo de la pintura del Manierismo.
El estilo de la pintura Renacentista del norte de Europa.
El estilo de la pintura Barroca.
El estilo de la pintura Barroco Italiano.
El estilo de la pintura Barroco Francés.
El estilo de la pintura Barroco Español.
El estilo de la pintura Barroca.
El estilo de la pintura Barroco Flamenco.
El estilo de la pintura Barroco Holandés.
El estilo de la pintura Rococó.
El estilo de la pintura Romántica.
El estilo de la pintura del Realismo.
Desarrollo de la pintura del estilo Impresionismo.
Los pintores Impresionistas.
Movimientos Postimpresionistas.
Pintura del siglo xx anterior a la segunda Guerra Mundial.
El estilo de la pintura del Fauvismo.
El estilo de la pintura del Expresionismo.
El estilo de la pintura del Cubismo.
El estilo de la pintura Abstracta.
El estilo del Surrealismo.
La pintura americana anterior a la segunda Guerra Mundial.
La pintura a partir de la segunda Guerra Mundial.
El estilo del expresionismo Abstracto.
El estilo de la pintura Op art y Pop art.
El estilo de la pintura Nuevo Realismo.
El estilo de nuevas Tendencias Abstractas.
El estilo de la pintura Europea de la Posguerra.
El estilo Neo-expresionismo.
Historia del arte de la pintura:
EL ESTILO DE LA PINTURA CONTEMPORÁNEA EN ESPAÑA
La pintura española contemporánea, destacada en el mercado de coleccionismo de arte, ha sido representada por artistas de fama internacional como Joan Miró, Julio González, Pablo Picasso y Salvador Dalí. Estas figuras no solo han creado obras de arte de vanguardia, sino que también han influido en la colección privada de arte contemporáneo en España y el mundo. Sus obras se han integrado en importantes colecciones de arte, tanto públicas como privadas, destacándose en la adquisición de arte contemporáneo como una inversión sólida. Estos artistas, que bebieron de las influencias de sus contemporáneos internacionales como Picabia, Calder o Giacometti, han dejado un legado valioso dentro del arte emergente contemporáneo. En el contexto de la valoración de arte contemporáneo, sus obras han alcanzado precios significativos, reafirmando su estatus en el coleccionismo de obras de arte.
EL ESTILO DE LA PINTURA PREHISTÓRICA Y ANTIGUA
Las pinturas rupestres, consideradas entre las primeras expresiones artísticas de la humanidad, han sido objeto de interés para los coleccionistas de arte que buscan piezas de origen ancestral. Aunque no son adquiridas como colecciones privadas de arte contemporáneo, estas obras ofrecen un entendimiento profundo sobre los inicios de la expresión artística.
EL ESTILO DE LAS PINTURAS RUPESTRES
Las pinturas de Altamira, ubicadas en cuevas de España, son testimonio de un arte que ha sobrevivido miles de años. Los coleccionistas de arte y estudiosos del arte emergente contemporáneo pueden trazar paralelismos entre estas primeras obras y las tendencias en el mercado del arte contemporáneo, que busca obras de arte con significado simbólico profundo. Estas piezas prehistóricas, aunque no forman parte de las colecciones de arte contemporáneo, inspiran a los artistas actuales y resaltan la continuidad del arte a lo largo de la historia.
EL ESTILO DE LA PINTURA EGIPCIA
El arte egipcio, conocido por sus pinturas mitológicas y representaciones cotidianas, ha influido en la estética de artistas contemporáneos reconocidos. Aunque se distancia del arte de inversión más inmediato, los estudios sobre la pintura egipcia han permitido comprender cómo las civilizaciones antiguas influyen en las tendencias actuales en el mercado del arte contemporáneo. La adquisición de obras de esta época histórica puede no ser tan común como el arte contemporáneo, pero sigue siendo una referencia importante en el coleccionismo de arte.
EL ESTILO DE LA PINTURA MINÓICA
Las pinturas minoicas, con su realismo y precisión, pueden encontrarse en algunas colecciones de obras de arte que abarcan tanto arte antiguo como contemporáneo. En el mercado actual, algunos coleccionistas de arte buscan incluir piezas antiguas que complementen sus colecciones privadas de arte contemporáneo, enriqueciendo así la diversidad de su patrimonio artístico.
EL ESTILO DE LA PINTURA GRIEGA
La cerámica griega, aunque no es arte contemporáneo, tiene su lugar en colecciones de arte por su representación de escenas mitológicas y deportivas. Las figuras rojas y negras que adornan estas piezas han inspirado a artistas contemporáneos, creando un puente entre el arte clásico y el arte emergente contemporáneo. En el mercado de arte actual, algunas de estas piezas antiguas pueden llegar a tener un valor significativo, siendo objeto de interés para aquellos que buscan invertir en arte con historia.
EL ESTILO DE LA PINTURA ROMANA
La pintura romana, especialmente en mosaicos y frescos, se destaca por su dominio de la perspectiva espacial, una técnica que algunos artistas contemporáneos destacados han reinterpretado en sus obras. Este estilo, aunque pertenece al pasado, sigue siendo relevante en discusiones sobre las tendencias actuales en el mercado del arte contemporáneo, y es valorado por coleccionistas de arte que aprecian la evolución de las técnicas artísticas a lo largo del tiempo.
EL ESTILO DE LA PINTURA MEDIEVAL
El arte medieval, particularmente en los manuscritos miniados, refleja un detallismo que ha sido retomado por ciertos artistas contemporáneos, cuyas obras han entrado en colecciones privadas de arte contemporáneo. Aunque estos estilos difieren en su ejecución y temática, el arte medieval inspira a coleccionistas que valoran la historia y la técnica detrás de cada obra.
EL ESTILO DE LA PINTURA GÓTICA
El estilo gótico, caracterizado por sus vidrieras y manuscritos, sigue siendo fuente de inspiración para artistas emergentes contemporáneos que exploran la relación entre la luz, el color y la narrativa en sus obras. Las tendencias en el mercado del arte contemporáneo muestran un creciente interés en reinterpretaciones de estilos históricos, lo que abre nuevas oportunidades para la adquisición de arte contemporáneo que dialogue con el pasado.
EL ESTILO DE LA PINTURA GÓTICO INTERNACIONAL
El gótico internacional, con su minuciosidad en los detalles y su estudio de la naturaleza, ha influido en la obra de artistas contemporáneos reconocidos. Las colecciones de arte que incluyen obras de este periodo, junto con obras contemporáneas, demuestran una continuidad en la apreciación de la técnica artística. Invertir en obras artísticas destacadas de este estilo puede complementar el coleccionismo de arte contemporáneo, brindando una perspectiva histórica valiosa.
EL ESTILO DE LA PINTURA DE GIOTTO
Giotto, uno de los artistas más destacados de la época medieval, revolucionó la pintura italiana al crear figuras humanas a tamaño monumental, marcando un punto de inflexión en la historia del arte. Sus obras de arte contemporáneo en ese entonces, que hoy en día se encuentran en colecciones de arte históricas, han sido una fuente de inspiración para el arte emergente contemporáneo. En la Capilla Arena, en Padua, entre 1305 y 1306, Giotto realizó algunas de sus obras más influyentes, con temas cotidianos relacionados con Jesús y la Virgen María. Los coleccionistas de arte que buscan adquirir obras de arte de artistas destacados a menudo ven en Giotto un precursor de lo que más tarde sería considerado el coleccionismo de arte de vanguardia.
EL ESTILO DE LA PINTURA RENACENTISTA
La pintura renacentista fue una revolución cultural en Italia durante los siglos XV y XVI, inspirada en la antigüedad clásica. Hoy en día, sus obras forman parte de colecciones de arte contemporáneo en museos y colecciones privadas, donde se valora su importancia histórica y estética. Para los coleccionistas de arte contemporáneo, las obras renacentistas representan una inversión destacada, no solo por su belleza, sino también por su relevancia en la evolución del arte. Artistas como Leonardo da Vinci, Rafael y Miguel Ángel son ejemplos de cómo las obras de arte de artistas destacados pueden influir tanto en el coleccionismo como en el mercado del arte contemporáneo.
EL ESTILO DE LA PINTURA RENACENTISTA TEMPRANA
Durante el Renacimiento temprano, artistas como Andrea Mantegna, Paolo Uccello y Piero della Francesca dominaron la perspectiva lineal, una técnica que revolucionó la representación del espacio tridimensional. Estas obras, ahora parte de las colecciones más destacadas del arte contemporáneo, son admiradas por su innovación y su contribución al desarrollo del arte. Las pinturas de esta época se consideran inversiones de alto valor, y su adquisición sigue siendo relevante en el mercado del arte contemporáneo, donde la valoración de obras de arte destacadas depende tanto de su historia como de su influencia.
EL ESTILO DE LA PINTURA DEL ALTO RENACIMIENTO
Leonardo da Vinci, Rafael y Miguel Ángel son figuras clave del Alto Renacimiento. Sus obras maestras, como los frescos de la Capilla Sixtina, son parte fundamental de la colección de arte contemporáneo destacado en museos de todo el mundo. Estas obras no solo tienen un valor artístico incalculable, sino que también se consideran inversiones seguras dentro del mercado del arte. La adquisición de pinturas de este calibre es el sueño de cualquier coleccionista de arte, especialmente aquellos que buscan invertir en arte contemporáneo de relevancia histórica.
EL ESTILO DE LA PINTURA DEL MANIERISMO
El manierismo, representado por artistas como Pontormo, Rosso Fiorentino, Parmigianino y Tintoretto, es un estilo que se aleja de las convenciones clásicas del Renacimiento. Aunque no se centra en la línea o la proporción anatómica, este estilo ha dejado un legado importante en las colecciones de arte. Los coleccionistas de arte contemporáneo que buscan obras más emocionales y dramáticas a menudo se sienten atraídos por el manierismo, donde la creatividad y la expresividad desafían las normas establecidas, lo cual también es relevante en el arte emergente contemporáneo.
EL ESTILO DE LA PINTURA RENACENTISTA DEL NORTE DE EUROPA
En el norte de Europa, artistas como Jan van Eyck, Rogier van der Weyden y Hugo van der Goes jugaron un papel crucial en el desarrollo de la pintura renacentista. Estos artistas flamencos crearon obras que hoy en día son valoradas en el mercado del arte contemporáneo por su uso innovador del óleo y sus detalladas composiciones. Las obras de El Bosco, que desafían la perspectiva y las proporciones anatómicas, son especialmente atractivas para los coleccionistas de arte que buscan piezas surrealistas y simbólicas, algo que también es una tendencia en el coleccionismo de arte contemporáneo.
EL ESTILO DE LA PINTURA BARROCA
La pintura barroca, un estilo dramático y dinámico del siglo XVII, ha dejado un legado que aún hoy influye en el mercado del arte contemporáneo. Este estilo, que prioriza el movimiento y el claroscuro, ha sido clave en la creación de algunas de las obras más valiosas y reconocidas. Los coleccionistas de arte contemporáneo a menudo encuentran paralelismos entre el dramatismo barroco y las obras de artistas emergentes contemporáneos, quienes utilizan técnicas similares para generar impacto visual.
EL ESTILO DE LA PINTURA BARROCA ITALIANA
En Italia, artistas como Annibale Carracci y Caravaggio fueron los pioneros del estilo barroco. El tenebrismo de Caravaggio, con sus altos contrastes y el uso dramático de la luz, sigue siendo una influencia notable en el arte contemporáneo. Las obras de arte de estos artistas destacados están presentes en las colecciones más importantes del mundo y son objeto de una continua valoración dentro del mercado del arte contemporáneo. Para los coleccionistas que buscan adquirir piezas de relevancia histórica, estas pinturas representan una inversión sólida.
EL ESTILO DE LA PINTURA BARROCA FRANCESA
En Francia, Georges de la Tour y Louis Le Nain sobresalieron en la pintura barroca, dominando el uso de la luz y las sombras. Estas técnicas, adoptadas por algunos artistas emergentes contemporáneos, siguen siendo valoradas tanto en el coleccionismo de arte como en el mercado del arte contemporáneo. Los coleccionistas de arte encuentran en estas obras no solo un valor histórico, sino también una fuente de inspiración para las tendencias actuales en la creación artística.
EL ESTILO DE LA PINTURA BARROCA ESPAÑOLA
El barroco español, con artistas como Francisco de Zurbarán, José de Ribera y Diego Velázquez, ha dejado una marca indeleble en el arte occidental. Las obras de Velázquez, especialmente «Las Meninas», son consideradas piezas clave en la historia del arte y continúan siendo objetos de estudio y adquisición en el mercado del arte contemporáneo. Las colecciones de arte contemporáneo que incluyen obras de artistas del barroco español reflejan una valoración profunda de la maestría en el uso del color y la composición.
EL ESTILO DE LA PINTURA BARROCA
En la pintura barroca, las obras de arte de Francisco de Zurbarán ejercieron una influencia notable en artistas como Melchor Pérez de Holguín, José Juárez y Sebastián López de Arteaga. Este estilo, que destaca por su dramatismo y el uso del claroscuro, sigue siendo relevante en la colección privada de arte. Entre finales del siglo XVII y principios del siglo XVIII, los pintores mexicanos Juan Rodríguez Juárez y el colombiano Gregorio Vázquez de Arce fueron influenciados por las escuelas sevillanas de Bartolomé Esteban Murillo y Juan de Valdés Leal. Actualmente, coleccionar arte contemporáneo destacado de estos maestros barrocos es una inversión apreciada en el mercado de arte. Asimismo, los artistas flamencos Simón Pereyns y los españoles Alonso López de Heredia y Alonso Vázquez, junto con el italiano Mateo Pérez de Alesio, también contribuyeron al desarrollo del estilo barroco, lo que los convierte en referencias importantes para aquellos interesados en adquirir obras de arte moderno originales.
EL ESTILO DE LA PINTURA BARROCO FLAMENCO
Petrus Paulus Rubens, uno de los más grandes maestros flamencos del barroco, fue influenciado por el tenebrismo de Caravaggio, así como por Tiziano y Veronés. Sus cuadros de gran dramatismo, iluminados por colores vibrantes y con un manejo magistral de la luz y las sombras, son ejemplos icónicos de la pintura barroca flamenca. Las obras de arte moderno originales inspiradas en este estilo se encuentran en venta en plataformas especializadas para coleccionistas de arte, tanto en galerías físicas como online, brindando la oportunidad de comprar arte moderno online y sumar piezas significativas a una colección privada de arte. La técnica de Rubens, con sus figuras femeninas entrelazadas, sigue siendo un punto de referencia en el coleccionismo de arte contemporáneo.
EL ESTILO DE LA PINTURA BARROCO HOLANDÉS
El pintor holandés Rembrandt fue una de las figuras más destacadas del barroco en los Países Bajos, influyendo en numerosos artistas. Su capacidad para capturar la luz y la sombra en sus obras de arte es legendaria, y sigue siendo objeto de gran demanda entre coleccionistas de arte. Otros artistas holandeses barrocos destacados fueron Jacob van Ruysdael, Jan van Goyen, Frans Hals y Jan Vermeer. La obra de estos artistas se sigue revalorizando, y la venta de sus obras de arte moderno originales en plataformas online ofrece a los coleccionistas de arte contemporáneo la oportunidad de adquirir pinturas de importancia histórica y estética.
EL ESTILO DE LA PINTURA ROCOCÓ
A principios del siglo XVIII, el arte rococó emergió en Francia y Alemania como una extensión del barroco, caracterizado por su estilo festivo y sereno, orientado a decorar las lujosas residencias parisinas. Artistas como Jean Antoine Watteau, François Boucher, Jean-Honoré Fragonard y Giovanni Batista Tiepolo crearon obras que hoy en día son consideradas tesoros para los coleccionistas de arte. La colección privada de arte de muchos aficionados al arte moderno incluye obras que reflejan la delicadeza y el esplendor del rococó, y su compra online es una opción viable para quienes desean adquirir obras de arte moderno originales. Pintores ingleses como William Hogarth, Thomas Gainsborough y Joshua Reynolds también contribuyeron al auge del rococó en sus respectivos países, creando obras de arte modernas que siguen siendo altamente valoradas.
EL ESTILO DE LA PINTURA ROMÁNTICA
El arte romántico, que surgió en el siglo XIX, rompió con el neoclasicismo y se centró en lo místico, lo sublime y la libre expresividad. Los pintores románticos valoraban el color por encima de la línea, permitiendo una mayor libertad creativa. Francisco de Goya, uno de los más grandes maestros del romanticismo español, evolucionó desde el rococó hasta influencias expresionistas y alucinatorias. Sus obras siguen siendo de gran interés para coleccionistas de arte, y la venta de obras de arte moderno originales inspiradas en su estilo se ha expandido a plataformas en línea, ofreciendo la posibilidad de adquirir piezas únicas que reflejan la evolución del arte español.
EL ESTILO DE LA PINTURA DEL REALISMO
El realismo surgió a mediados del siglo XIX, liderado por el pintor francés Gustave Courbet, quien promovía la representación de la vida cotidiana en sus obras. Aunque este estilo surgió como una reacción a los ideales románticos, el realismo sigue teniendo un lugar destacado en el coleccionismo de arte contemporáneo. Los coleccionistas de arte que buscan adquirir obras de arte moderno originales pueden encontrar en el realismo una perspectiva única sobre la vida cotidiana, tanto en pinturas como en esculturas.
DESARROLLO DE LA PINTURA DEL ESTILO IMPRESIONISMO
El impresionismo, con Édouard Manet como precursor, transformó la pintura en la segunda mitad del siglo XIX. Artistas como Edgar Degas, Claude Monet, Camille Pissarro, y Auguste Renoir revolucionaron el uso de la luz y el color, creando paisajes y escenas de la vida diaria que aún hoy son altamente demandados en el mercado del arte moderno. Comprar obras de arte moderno inspiradas en el impresionismo sigue siendo una excelente opción para coleccionistas de arte, quienes valoran la capacidad de estos pintores para capturar la luz y la atmósfera. Las plataformas de venta de arte online permiten acceder a una amplia gama de obras de arte moderno en venta, ya sea de artistas contemporáneos o de estilos clásicos reinterpretados.
MOVIMIENTOS POSTIMPRESIONISTAS
A finales del siglo XIX, artistas como Vincent van Gogh, Paul Gauguin y Henri de Toulouse-Lautrec condujeron la evolución hacia el postimpresionismo. Las obras de Van Gogh, con su denso uso del color y pinceladas emocionales, son un claro ejemplo de cómo la técnica puede transmitir sentimientos profundos. Para los coleccionistas de arte moderno, adquirir obras de arte moderno inspiradas en estos maestros es una manera de conectar con la evolución del arte a través del tiempo. La venta de obras de arte moderno originales, tanto online como en galerías, permite a los coleccionistas de arte acceder a piezas que reflejan la rica historia del postimpresionismo.
PINTURA DEL SIGLO XX ANTERIOR A LA II GUERRA MUNDIAL
El arte del siglo XX se caracterizó por una explosión de movimientos y estilos, incluyendo el fauvismo, expresionismo, cubismo, futurismo, constructivismo, neoplasticismo, Dadá y surrealismo. Estos movimientos, tanto en Europa como en Estados Unidos, siguen influyendo en el coleccionismo de arte moderno y contemporáneo. Las obras de arte moderno originales de este periodo continúan siendo objeto de deseo para coleccionistas de arte que buscan piezas únicas que representen los hitos de la historia del arte.
EL ESTILO DE LA PINTURA DEL EXPRESIONISMO:
Artistas que pretendían plasmar sentimientos y respuestas subjetivas, distorsionando las líneas y los colores, reflejando fielmente la realidad, se unieron al movimiento del expresionismo. En Alemania, el grupo Die Brücke, influenciado por las obras del noruego Edvard Munch, estaba compuesto por jóvenes artistas como Ernst Ludwig Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff, Erich Heckel y Emil Nolde. Entre los años 1905 y 1913, estos artistas, inspirados en el arte africano, marcaron una época. En 1911, el grupo Der Blaue Reiter, liderado por Franz Marc y Wassily Kandinsky, se enfocó en una nueva faceta del expresionismo alemán, con artistas como August Macke, Gabriele Münter, Paul Klee y Alexey von Jawlensky. Este movimiento evolucionó hacia el arte abstracto, inspirado en el fauvismo y el arte popular. Al mismo tiempo, en Uruguay, Pedro Figari, de estilo neoimpresionista, expuso sus obras en su país, en Buenos Aires y en París.
EL ESTILO DE LA PINTURA DEL CUBISMO:
A principios del siglo XX, Pablo Picasso y Georges Braque desarrollaron el cubismo en París entre 1907 y 1914, inspirados por las formas geométricas de Cézanne y las esculturas africanas. El cubismo fue uno de los estilos de mayor influencia en el siglo XX, descomponiendo la imagen tridimensional en múltiples puntos de vista bidimensionales. Artistas como Robert Delaunay, Fernand Léger, Juan Gris y Sonia Delaunay, junto con italianos como Umberto Boccioni, Gino Severini y Carlo Carrà, contribuyeron al desarrollo de este estilo.
EL ESTILO DE LA PINTURA ABSTRACTA:
El arte abstracto se desarrolló en países como Alemania, Estados Unidos, Rusia y los Países Bajos durante la segunda década del siglo XX. En Rusia, Kazimir Maliévich denominó suprematismo a su abstracción, mientras que Alexandr Rodchenko y El Lissitzky lideraron el constructivismo. En este contexto, invertir en arte moderno y la venta de obras de arte potencial moderno se volvieron conceptos relevantes, especialmente para quienes buscan una colección de pinturas innovadora y significativa.
EL ESTILO DEL DADAÍSMO:
El movimiento dadaísta, sin un significado explícito, fue una protesta contra los valores burgueses y el militarismo de la Primera Guerra Mundial. Marcel Duchamp, uno de los principales exponentes del dadaísmo, desafiaba las nociones tradicionales del arte presentando objetos cotidianos como obras de arte. Este contexto ofrece oportunidades para comprar obras de arte moderno, sobre todo en el ámbito del coleccionismo de arte contemporáneo.
EL ESTILO DEL SURREALISMO:
Influenciados por el dadaísmo, los surrealistas como Salvador Dalí, Joan Miró, y René Magritte exploraron los sueños y el inconsciente como fuentes de creación artística. Roberto Matta, en Chile, y Frida Kahlo, en México, llevaron el surrealismo a nuevas fronteras. En este periodo, la venta de obras de arte actual y la compra de arte moderno online se volvieron formas accesibles para coleccionistas que buscan obras surrealistas de artistas destacados.
LA PINTURA AMERICANA ANTERIOR A LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL:
Pintores como Maurice Prendergast y Childe Hassam retrataban la vida de las clases altas con un estilo impresionista, mientras que artistas como Robert Henri y John Sloan reflejaban la vida callejera de manera realista. En América Latina, artistas como Rufino Tamayo y Antonio Berni también dejaron su huella en la historia del arte, con obras que hoy en día son parte de colecciones valoradas y consideradas una oportunidad de comprar obras de arte moderno.
EL ESTILO DEL EXPRESIONISMO ABSTRACTO:
El expresionismo abstracto, surgido en Nueva York en la década de 1940, es considerado una respuesta a la influencia del surrealismo. Artistas como Jackson Pollock y Mark Rothko exploraron nuevas formas de expresar emociones a través del color y las formas abstractas. Este estilo ha ganado un gran valor en el mercado, con obras de arte moderno de inversión español y de otras nacionalidades, disponibles para coleccionistas de arte interesados en expandir sus colecciones.
EL ESTILO DE LA PINTURA OP ART Y POP ART:
Durante la década de 1960, movimientos como el Op Art y el Pop Art rompieron con las formas tradicionales de expresión. Andy Warhol y Roy Lichtenstein utilizaron imágenes de la cultura popular para crear obras icónicas, que hoy en día forman parte de colecciones de arte contemporáneo. Estas obras representan una gran oportunidad para quienes buscan invertir en arte moderno.
NUEVAS TENDENCIAS ABSTRACTAS Y NEOEXPRESIONISMO:
En la década de 1980, surgieron nuevas formas de pintura abstracta y figurativa, con el neoexpresionismo. Los artistas que rechazaban la pureza formal del arte abstracto exploraban pinceladas toscas y colores fuertes. Este movimiento marcó el inicio de una nueva fase en el coleccionismo de arte, con artistas contemporáneos y modernos que siguen atrayendo a coleccionistas de arte de todo el mundo.
La historia del arte comienza con el Arte en la prehistoria ó Arte prehistórico. ARTE ANTIGUO (CA. 5000 – 100 A. C.) incluye el Arte egipcio y Arte mesopotámico. ARTE CLÁSICO (2000 A. C.-300 D. C.) incluye el Arte griego y Arte romano.
ARTE EN LA ALTA EDAD MEDIA (300-900) incluye el Arte paleocristiano, Arte visigodo, Arte bizantino, Arte prerrománico, Arte mozárabe, Arte carolingio, Arte otoniano. ARTE EN LA BAJA EDAD MEDIA (900-1400) incluye el Arte románico, Arte gótico, Arte mudéjar. ARTE EN LA EDAD MODERNA (1400-1800) incluye el Arte del Renacimiento,
Arte Manierismo, Arte barroco, Arte Naturalismo, Arte Rococó, Arte Clasicismo.
El coleccionismo de arte ha sido una práctica fundamental a lo largo de la historia, y hoy en día, cada vez más personas buscan comprar obras de arte contemporáneo como una forma de inversión o de apreciar la belleza y el ingenio de los artistas modernos. Coleccionistas de arte de todo el mundo están interesados en adquirir piezas que no solo reflejan las tendencias artísticas de nuestro tiempo, sino que también tienen el potencial de aumentar su valor con el tiempo.
Dentro del arte moderno, obras de arte contemporáneo destacado son altamente valoradas, especialmente cuando se trata de piezas únicas o ediciones limitadas que destacan por su innovación y técnica. En España, el mercado de arte está experimentando un auge, con una creciente demanda de obras de arte moderno originales en venta. Además, las plataformas online facilitan a los coleccionistas la posibilidad de comprar arte moderno online, abriendo nuevas oportunidades para quienes desean empezar o ampliar sus colección de pinturas.
El estilo de la pintura barroca, por ejemplo, tuvo una gran influencia en el desarrollo del arte en América Latina, donde artistas como Melchor Pérez de Holguín y José Juárez adaptaron el dramatismo y el detallismo característicos de este movimiento europeo. Comprar obras de arte moderno de artistas que han sido influenciados por estilos clásicos es una práctica común entre los coleccionistas de arte, quienes buscan tanto preservar la tradición como invertir en el futuro del arte.
En el ámbito de las obras de arte moderno españolas, nombres como Pablo Picasso y Juan Gris han dejado una marca imborrable en el desarrollo del cubismo, un movimiento que cambió para siempre la forma en que se percibe el arte tridimensional. La compra de arte moderno online se ha convertido en una de las formas más accesibles de adquirir estas piezas, permitiendo que las personas interesadas en el coleccionismo de arte encuentren y adquieran obras que reflejan sus intereses y preferencias.
El arte contemporáneo destacado también se ve influenciado por movimientos como el expresionismo, que permitió a los artistas distorsionar las formas y colores en busca de expresar sus emociones más profundas. Esta corriente, que surgió en Europa y tuvo grandes exponentes como Edvard Munch y Wassily Kandinsky, sigue siendo relevante para los coleccionistas que buscan comprar obras de arte contemporáneo que capturen la subjetividad y la intensidad emocional.
ARTE EN LA EDAD CONTEMPORÁNEA DEL1800 AL SIGLO XIX, incluye el Arte Neoclasicismo, Arte Romanticismo, Arte Prerrafaelismo, Arte Nazarenos, Arte Realismo, Arte Impresionismo, Arte Neoimpresionismo,
Arte Postimpresionismo, Arte Simbolismo, Arte Eclecticismo, Arte Esteticismo, Arte Historicismo, Arte Neorrománico, Arte Neogótico, Arte Neobarroco, etc. Siglo XX incluye el Arte del Modernismo, Arte Art nouveau, Arte Modern style, Arte Liberty, Arte Jugendstil, Arte Sezession, Arts & Crafts, Art déco, Arte naïf.
VANGUARDIAS (1905 – 1942) incluye el arte Fauvismo, Arte Cubismo, Arte Orfismo, Arte Rayonismo, Arte Futurismo, Arte Dadaísmo, Arte Expresionismo, Arte Die Brücke, Arte Der Blaue Reiter, Arte Nueva objetividad¸ Arte Pintura metafísica, Arte Surrealismo. Arte abstracto, Arte Neoplasticismo, Arte Constructivismo, Arte Suprematismo,
Arte Racionalismo. ARTE MODERNO (1942-2000) incluye el Arte Expresionismo abstracto, Arte Informalismo, Arte Tachismo, Art brut, Arte Pintura matérica, Arte Nueva abstracción, Arte Abstracción postpictórica, Arte Op art, Arte cinético, Arte Nuevo realismo, Arte Pop art, Arte Minimalismo,
Arte Hiperrealismo, Arte Happening, Arte Performance, Arte Instalación. Arte conceptual. Arte povera, Body art, Land art, Arte ambiental, Bio-Art, Arte digital, Arte postmoderno, Arte Transvanguardia, Arte Neoexpresionismo, Arte Neomanierismo, Arte Figuración libre, Arte del siglo XXI y no incluye los desarrollos de otras culturas no-occidentales.
OTRAS ARTES
Arte celta del siglo IX a. c. Arte ibérico de los siglos VI a IV a. c. Arte astur. Arte oceánico. Arte africano, de África sub-sahariana. Arte chino. Arte japonés. Arte hindú. Arte islámico, estilo artístico del islam. Arte precolombino, arte de Centro América y Suramérica. Arte normando.
PARTE 2CONTENIDOS
1- Características del arte de la abstracción y los artistas abstractos.
2- El arte de la escultura abstracta.
3- Consejo para el artista.
CARACTERISTICAS DEL ARTE DE LA ABSTRACCION Y LOS ARTISTAS ABSTRACTOS.
El arte abstracto es un estilo artístico que surge aproximadamente en el 1910. El arte abstracto se sirve lo mismo de la representación de las figuras como no, con un lenguaje visual muy propio y fue una manifestaciones fundamental dentro de la cultura del siglo XX.
El arte abstracto tiene importantes representantes en USA como Action Painting y con el Colour-Field Painting, Suplantado sobre el 1960 por el arte y los artistas minimalista interesados por lo geométrico y la estructura.
El arte abstracto como estilo sustituye en gran parte lo figurativo por un concepto menos literal de las formas, liberado de los formalismos academicistas refleja su propia expresión abstrayéndose de la realidad.
El arte abstracto fue un arte ó estilo polémico en su renacer, quizás por su estilo basado en las experiencias fauvistas y en las sensaciones del artista, entre otras características juega con la fuerza del color. Con la utilización de abstracciones geométricas y constructivas, el arte abstracto y los artistas alcanzan la expresión formal de la estructuración cubista.
En el periodo en que el arte abstracto evoluciono se sirvió de fuentes tales como fueron los estilos expresionistas y fauvistas, que destacan por la fuerza del colorido influidos por las abstracciones líricas y el informalismo, también por el estilo cubista que por sus características geométricas y constructivas inspiran las abstracciones.
Vasily Kandinsky (1866-1944) Es el teórico de este estilo y forjo las bases del arte abstracto, escribió – De lo espiritual en el arte – expresa sus ideas sobre el arte y hace su declaración de principios.
Objetivo de su pintura es despertar la emoción por medio de los sentimientos. Pone a sus cuadros títulos abstractos, Azul, En alto, Lírica, Rojo, Impresión V, Amarillo Improvisación.
Paúl Klee (1879-1940) Es más simbólico, hace las figuras irreconocibles, tiene títulos como: Composición, El niño en el paisaje, Puerto y veleros.
EL ARTE DE LA ESCULTURA ABSTRACTA.
Esculturas y tallas: Esculturas diferentes materiales, maderas, mármoles, bronce, piedra, hierro y terracota (barro) etc.
Las artistas escultores abstractos se rigen por los mismos términos y fundamentos de la pintura abstracta. Entre los artistas escultores abstractos, ó artistas no figurativos se encuentran los del grupo Der Stijl. Théo van Doesburg y Georges Vantongerloo, inspirado en la codificación matemática de los volúmenes y Antoine Pevsner, Naum Gabó, Julio González.
CONSEJO PARA EL ARTISTA.
Cuando hallas aprendido bien aquello en lo que se basan las técnicas, olvídalas, el arte es sin limitaciones, sin barreras, el arte está en todas partes en la naturaleza y esta no ha sido obra del hombre, tú, tu mente, todo es parte de ese todo que tampoco lo ha creado el hombre, cada color se puede sentir vibrando en nuestro interior, todo el brillo del arte está en todas partes, en el cielo, en el aire, en las flores, en las briznas de hierba y todos somos parte de él, de este maravilloso complejo artístico que es nuestro mundo, se libre, se tú mismo, sin ataduras, sin miedos.
Cuando esto hayas comprendido y aprendido, se uno con los materiales que utilices por que en su constitución materialmente ellos y nosotros somos iguales aunque externamente seamos diferentes, el artista, el pintor, el escultor que se somete a las reglas nunca emancipara su espíritu creador y sin estar emancipado difícilmente su arte lo estará.
Si decides ser artista de verdad, estate presto a revelar el espíritu que contiene lo que quieres ser y es verdadero.
Si crees que no hay talento en ti, es porque no te conoces aun, quizás porque buscas tus facultades fuera de ti tu potencial e ignoras lo que eres en verdad, por eso tu confianza es débil y tú autoestima frágil.
Tus facultades como artista, como hombre son infinitas, todo el talento, el ingenio duerme en lo más profundo de nuestra materia, cuanto imaginamos y creamos, lo que podemos imaginar es solo el vórtice de lo que se nos reserva.
Lo limitado no es la creación, si acaso es el pensamiento quien limita, utiliza la mente solo para no pensar y el corazón y las manos para crear.
Para desarrollar la perfección utiliza solamente el trabajo sostenido e ininterrumpido en el arte, creando en silencio se hace visible lo invisible.
Para experimentar lo infinito de tu imaginación desarrolla tu amor hacia todas las cosas sin dejar de crear, porque creando y amando es cuando ocurre el despertar, siendo que cuanto más amas es cuando más creas y cuanto más creas más te acercas al espíritu y es tu espíritu el nexo a lo infinito e impensado.
PARTE 3, CONTENIDOS VARIOS.
1- Técnicas de pintura
2- La pintura con acuarelas
3- La pintura con acrílicos ó acrílica
4- La pintura con pasteles
5- La pintura al óleo.
6- ¿Como se pinta al óleo?
7- Algunos colores principales
TÉCNICAS DE PINTURA
Por ejemplo el Expresionismo abstracto no precisa necesariamente que su técnica en la pintura se aplique con instrumentos como en el caso de muchas otras técnicas que en la pintura sí requieren de medios utilitarios para realizar las diversas obras de arte con sus características pictóricas.
ACUARELAS
La pintura con acuarelas sobre papel o cartulina se realiza diluyendo los colores con agua. En la pintura con acuarelas los colores se trasparentan. La pintura con acuarelas se aplica por capas transparentes sacándole los brillos y luces muchas veces aprovechando el color de fondo. La pintura de acuarela híper realista utiliza barnices y veladuras, pero suele carecer de la lucidez de la acuarela convencional.
ACRÍLICOS Ó PINTURA ACRÍLICA
La pintura acrílica una emulsión de un polímero acrílico, es una pintura soluble en agua, es una pintura de secado más rápido que la pintura al óleo.
PASTELES
La pintura al pastel se realiza con barras de colores luminosos parecidas a tizas escolares, pero contienen pigmentos y yesos aglutinados. La pintura al pastel es técnica seca y en esto difiere de la pintura al óleo o la pintura con acuarela.
La pintura al pastel permite realizar correcciones con gran facilidad.
PINTURAS AL ÓLEO
La pintura al óleo es la técnica más utilizada por su suave pastosidad, utiliza colores disueltos en aceites secantes, La pintura al óleo se desarrolló en Europa a finales de la edad media. La pintura al óleo se puede aplicar en veladuras o en empastes. La pintura al óleo tiene un secado gradual que nos permite igualar, mezclar o degradar los tonos y hacer correcciones, hacer mezclas cromáticas o esfumados durante varios días, permite aplicar, aguadas, manchas, veladuras y empastes, gracias a que seca relativamente despacio y apenas altera los colores, lo que.
La pintura al óleo facilita efectos de gran riqueza cromática, claroscuros contrastes.
¿COMO SE PINTA AL ÓLEO?
Se puede hacer de varia maneras, por ejemplo sin esbozo, plasmando los trazos arbitrariamente ó ligeramente de forma ordenada para crear las obras directamente con el color, sin un patrón, sin una idea preconcebida según el estilo y el objeto deseado.
Otra manera para mi más específica de pintar al óleo es esbozando bosqueja un dibujo a carboncillo, luego aplicas una base de pintura fluida, perfeccionando la obra de arte con una pintura más espesa al óleo. El secado de la pintura tiene la ventaja de secar lento y permite seguirla desarrollado durante años.
Cuando a secado la pintura se puede barnizar para protegerla y avivará los colores.
Particularmente opino que la constitución de los pigmentos modernos al óleo resuelve este recurso y si al final los barnices acaban oscureciendo los colores, no es lo más factible. Pero para gusto se hicieron los colores, cada quien puede experimentarlo y es libre de aplicarlo ó no.
ALGUNOS COLORES PRINCIPALES
Los colores para que puedas sacar el máximo provecho a tu pintura añadiéndoles blanco ó negro.
Blanco de titanio.
Amarillo de cadmio limón y amarillo de cadmio medio y el ocre amarillo.
Tierra siena tostada y tierra sombra tostada.
Rojo de cadmio y carmín de garanza.
Verde permanente y Verde esmeralda.
Azul ultramar oscuro, azul cobalto oscuro y azul de Prusia.
Negro de marfil y blanco titanio.
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