Los genios del arte del siglo XX y el genio del arte del siglo XXI Vicjes Gonród, España. Historia del arte mundial. Los Genios de la pintura y los genios artísticos más famosos del mundo, y el genio del siglo XXI español es Vicjes Gonrod.
El genio del siglo XXI no genio y los genios del arte siglo XX. España.
EL GENIO DEL ARTE DEL SIGLO XXI VICJES GONRÓD,
SE DENOMINA NO GENIO, O GENIO DE NADA.
Dice: Entre ser o no ser elijo no ser, entre genio y figura, solo ser consciente, y a veces.
Eslogan: “Quien tiene un VINCENT VANGOGH no carece y quienes tengan un VICJES GONROD tampoco carecerán” Vicjes Gonród.
Dice Vicjes Gonród: “Los famosos genios de la historia y los artistas contemporáneos que son genios del siglo 21 tienen algo en común, y es la pasión”
Los genios actuales del arte, todos y cada uno de los genios de nuestro tiempo tienen más recursos informáticos, que los que tenían los genios del siglo 20, y así, al igual, estos últimos tuvieron las tecnologías de la que sin duda carecían los artistas del renacimiento, y jamás en ninguna época la creatividad fue a menos, eso nos recuerda, que los motivos para no crear, no son justificaciones, si prima el amor al arte en tu corazón y mente.
SALUDOS CORDIALES.
- INTRODUCCIÓN:
- Vicjes Gonród el Genio del Arte del Siglo XXI no genio, genio del arte por destino, revelación y misión, pero no se siente aludido, por ello el mismo se denomina Genio de Nada.
- Vicjes Gonród el Genio del Arte del siglo XXI No genio, sí imperfecto, flexible, simple, vacío, sin gran yo, forma, protagonismo o deseos, sí compasivo, en armonía y en unidad.
- Vicjes Gonród es el artista de los Corazones Sagrados, pintor, escultor, escritor, profesor, terapeuta, poeta, diseñador, inventor y filosofo etc.
- Pero nos dice: Ser simple, modesto, verdadero, sin teatralidad, ni extravagancia, sencillo, sutil, insignificante, fiel y sin atribuirme nada de cuanto se me ha revelado en esta vida en medio de todo sin sentirme merecedor jamás de nada pese al destino.
VICJES GONRÓD EL GENIO DEL ARTE NO GENIO.
Vicjes Gonród es un creador polifacético independiente, es Escultor, Pintor, Dibujante, Diseñador, Poeta, Escritor, Inventor, Terapeuta, Profesor de Arte, de escultura, Crecimiento personal, Autoconocimiento, Meditación Yoga etc.
Arte español contemporáneo, pinturas, esculturas y dibujos del artista de los Corazones Sagrados, el artista revelación de este siglo Vicjes Gonród, España.
www.geniodelsigloxxi.com Plataforma de arte contemporáneo de muestra de la galería de las obras de arte de Vicjes Gonród.
– ¿Sin una vida plena espiritual compasiva inteligente, qué verdad han de revelar los hombres que les permita alcanzar su destino de virtud, y alcanzar un mínimo nivel de conciencia cósmica en comunión? Vicjes Gonród.
Mientras sus mentes no estén libres de pensamientos egoístas jamás serán espirituales, pues aunque parezca estar de moda ser espirituales, el servirnos de la vida presos de los deseos sin experimentar las verdades de vivir una vida desapegada nos aleja del espíritu. A menos que se comprenda la importancia de practicar la virtud del desinterés, no sabrán concluir que su felicidad, debe incluir la felicidad de los otros muchos para ser experimentada la iluminación que disfrutan los sabios, ya que solo pensando primero en los otros fluye y actúa el amor en uno, y principias a ser unidad sin ego, ni yo, ni mío. Vicjes Gonród.
Detalle de la Revelación de Vicjes Gonród.
– «Mi arte se cotizará tanto como el coste del hambre del mundo y los primeros que no lo duden serán afortunados, suerte que la verdad no todos la intuyen a la vez, porque yo tampoco alcanzo a todos» Vicjes Gonród.
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- El genio del arte del siglo XXI y Los genios del arte del siglo XX.
- En este espacio Incluimos frases de algunos pintores famosos sobre arte, y algunas frases de Vicjes Gonród.
- Ampliamos las características del arte moderno contemporáneo actual.
- Hablaremos de Las ventajas de invertir en obras de Arte, Invertir en pinturas contemporáneas españolas.
- Abordaremos las principales características de la historia del arte, y los estilos históricos del arte en la pintura de los siglos XX – XXI.
EL GENIO DEL SIGLO XXI y LOS GENIOS DEL XX.
El genio del siglo XXI puede aprender mucho de los genios del siglo XX, ya que muchos de ellos establecieron las bases para los avances y descubrimientos de hoy en día. Los genios del siglo XX, como Albert Einstein y Marie Curie, sentaron las bases de la física y la química modernas, mientras que Thomas Edison y Alexander Graham Bell sentaron las bases de la tecnología moderna. También hay muchos genios del siglo XX que han sido influyentes en las artes, como Pablo Picasso y Salvador Dalí, quienes han influenciado el arte moderno y contemporáneo.
Los genios del siglo XXI pueden aprender de los genios del siglo XX en términos de creatividad, perseverancia y dedicación. Estos genios a menudo se enfrentaron a obstáculos y desafíos significativos, pero a través de su determinación y trabajo duro, lograron grandes cosas. Los genios del siglo XX también eran innovadores y estaban dispuestos a asumir riesgos para lograr sus objetivos, lo que es una lección importante para los genios del siglo XXI que buscan hacer avances significativos en sus campos.
Así mismo los genios del siglo XXI pueden aprender mucho de los genios del siglo XX en términos de creatividad, perseverancia, innovación y dedicación. Al estudiar las vidas y los logros de los genios del pasado, los genios del siglo XXI pueden inspirarse para lograr grandes cosas y hacer contribuciones significativas en sus propios campos.
El genio del arte del siglo XXI puede sacar muchos aspectos positivos de los genios del arte del siglo XX.
Los artistas del siglo XX, como Pablo Picasso, Jackson Pollock y Andy Warhol, revolucionaron el mundo del arte al crear nuevas formas de expresión y desafiar las convenciones estéticas. Estos artistas abrieron nuevas vías para la experimentación y la innovación en el arte.
Además, los artistas del siglo XX también fueron importantes defensores del arte como herramienta para el cambio social y político. Muchos artistas, como Frida Kahlo utilizaron su arte para abordar temas como la injusticia social, la opresión y la discriminación. Estos artistas fueron activistas comprometidos y utilizaron su arte para promover la igualdad y la justicia.
Los artistas del siglo XX también fueron pioneros en el uso de nuevos medios y tecnologías en el arte. Muchos artistas experimentaron con fotografía, cine, video y arte digital, abriendo nuevas posibilidades para la creación de arte en el siglo XXI.
Al respecto es seguro que el genio del arte del siglo XXI puede aprender de los genios del arte del siglo XX en términos de innovación, experimentación, compromiso social y el uso de nuevas tecnologías. Al estudiar las obras y los enfoques de los artistas del siglo XX, los artistas del siglo XXI pueden inspirarse para crear nuevas formas de arte que sean relevantes para la sociedad actual y que reflejen la diversidad y complejidad del mundo contemporáneo.
El genio del arte del siglo XXI puede ser rompedor experimentando, ya que sí los genios del arte del siglo XX se caracterizaron por su experimentación y su voluntad de romper con las convenciones estéticas de su época ellos pueden y deben hacerlo aún mejor con los medios actuales.
El genio del arte del siglo XXI puede seguir este camino, buscando nuevas formas de expresión y explorando nuevos medios y técnicas para crear arte.
Contribuir al cambio social: Al igual que los genios del arte del siglo XX, el genio del arte del siglo XXI puede utilizar su arte como una herramienta para el cambio social. Pueden abordar temas como la igualdad, la justicia social, la inclusión y la diversidad, y utilizar su arte para promover la conciencia y el cambio.
Incorporar nuevas tecnologías: Los artistas del siglo XXI pueden continuar la exploración de los nuevos medios y tecnologías en el arte, como la realidad virtual y aumentada, la inteligencia artificial y el arte digital. Estas tecnologías ofrecen nuevas posibilidades para la creación de arte y pueden ser utilizadas para crear experiencias artísticas innovadoras y emocionantes.
Ser innovadores y originales: Los genios del arte del siglo XX eran conocidos por su originalidad e innovación. El genio del arte del siglo XXI puede seguir este camino, buscando nuevas formas de expresión y creando obras de arte que sean únicas y originales.
El genio del arte del siglo XXI puede marcar la diferencia con respecto a los genios del arte del siglo XX de varias maneras.
Integrar la tecnología de manera más significativa: Aunque muchos artistas del siglo XX utilizaron tecnologías nuevas e innovadoras, el genio del arte del siglo XXI puede integrar la tecnología de manera aún más significativa en su obra. La inteligencia artificial, la realidad virtual y la tecnología de la información ofrecen nuevas oportunidades para crear arte y experimentar con nuevas formas de expresión.
El genio del arte del siglo XXI puede abordar los desafíos y las problemáticas propias de la sociedad contemporánea, como la crisis ambiental, la desigualdad económica, la discriminación y el racismo. El arte puede servir como un medio para dar voz a las problemáticas sociales y fomentar la reflexión y el diálogo sobre estos temas.
El genio del arte del siglo XXI puede trascender los límites convencionales del arte, integrando la creatividad en todas las áreas de la vida y fomentando una cultura de la innovación y la exploración.
De esta forma, el genio del arte del siglo XXI puede crear una obra de arte que sea más relevante, reflexiva y significativa para la sociedad contemporánea.
Aprendamos algo de la historia: Los que pensaron que Salvador Dalí estaba loco cuando pregonaba que era un genio, perdieron un patrimonio, los previsores que confiaron e invirtieron pese a todo, se forraron pues hoy sus obras valen millones.
Pinturas y Esculturas, arte potencial. El arte del genio revelación de nuestra generación, su mensaje es un lujo.
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ABRIMOS ESTE ESPACIO CON FRASES SOBRE ARTE POR ARTISTAS
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Frases sobre pintura de grandes pintores y
cuatro frases del artista Vicjes Gonród el genio del arte del siglo XXIno genio. España:
Frase sobre pintura del pintor de pintores Leonardo da Vinci:
“La pintura es poesía muda; la poesía, pintura ciega”
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Frase sobre pintura del pintor de pintores en España Pablo Picasso:
“La pintura es otra manera de llevar un diario personal”
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Frase sobre pintura del pintor de pintores J. Pollock:
“La pintura tiene una vida propia. Yo trato de dejar que aflore”
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Frase del pintor surrealista español Salvador Dalí:
“Declaro la independencia de la imaginación y el derecho del hombre a su propia locura”
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Frase sobre pintura del pintor de pintores español Pablo Picasso
“La pintura es más fuerte que yo, siempre consigue que haga lo que ella quiere”
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Frase sobre la pintura de Vicjes Gonród el Genio del Arte del Siglo XXI no genio. España:
“La pintura es una criatura inmortal que sobrevive utilizando lo mortal del artista para reproducirse y procrear”
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Frase sobre arte de Vicjes Gonród el Genio del Arte del Siglo XXI no genio Español:
“La creación artística es pasión que habita en el templo del alma del artista en delirante amor y veneración al arte, para acabar venerando lo universal”
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Frase sobre los pintores de Vicjes Gonród el Genio del Arte del Siglo XXI no genio. España:
“La creatividad fluye cuando no la buscas y el pintor no fluyes hasta que se encuentra”
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Frase sobre pintura de Vicjes Gonród el Genio contemporáneo del arte de Siglo XXI no genio. España:
“El secreto de la pintura esta en aprender a pintar desde el inicio como el pintor longevo pinta en la vejes, instintivamente y sin ataduras y a veces el secreto estriba en olvidar lo aprendido y simplemente pintar”
VICJES GONRÓD y LOS AMANTES DEL ARTE DEL SIGLO XXI.
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Julio 2015
HISTORIA DEL ARTE, HISTORIA DE LA PINTURA.
La historia del arte de la pintura de forma breve, resumen de la historia del arte antiguo, historia del arte moderno, contemporánea, actual. Cubismo, surrealismo y no solo hablaremos del Arte Español, del arte Barroco, arte Rococó, arte Neoclasicismo, arte del Romanticismo, arte del Realismo, arte del Impresionismo, Post Impresionismo, arte del Simbolismo, Modernismo, características de las antigüedades. El artista renacentista, el artista bizantino, el artistas griegos, el pintor románico, pintores prerrománicos, pintores bizantinos, egipcio etc, Antigüedades, la pintura. Periodo, Movimiento. Técnicas, Estilo y artistas.
El ARTE DE LA PINTURA: Durante el Renacimiento italiano en el siglo XV los creadores de obras artesanales múltiples y los artistas con obras de arte únicas se clasificaron según su distinción, a los primeros se les denomino artesanos y a los segundos, los de las bellas artes, pero tanto los pintores, los escultores como los arquitectos seguimos siendo artesanos, por que el dibujo en si es artesanía y si siendo como es que todavía hoy en el siglo XXI el dibujo sigue siendo la base de toda escultura, pintura, grabado y la arquitectura, opino que la línea divisoria es ínfima si la hubiera.
INTRODUCCIÓN: La pintura artística es la búsqueda personal del mensaje visual, la pintura emerge entre múltiples formas, los colores y tonos, a través de la pintura cada pintor crea su simbiosis imaginativa y se expresa técnicamente según su estilo teniendo en cuenta el equilibrio en la composición, ritmo, la facturación de las líneas, las formas, el color y los valores. Por medio de la pinturas los pintores expresan sus emociones, pensamientos e ideas en diversos materiales, el pintor suele pintar según lo que siente y se desarrolla en continua experimentación y búsqueda de su estilo.
HISTORIA DEL ARTE DE LA PINTURA, CONTENIDOS:
1- El estilo de la pintura contemporánea en España.
2- El estilo de la pintura Prehistórica y antigua.
3- El estilo de las pinturas Rupestres.
4- El estilo de la pintura Egipcia.
5- El estilo de la pintura Minoica.
6- El estilo de la pintura Griega.
7- El estilo de la pintura Romana.
8- El estilo de la pintura Medieval.
9- El estilo de la pintura Gótica.
10- El estilo de la pintura Gótico internacional.
11- El estilo de la pintura Giotto.
12- El estilo de la pintura Renacentista.
13- El estilo de la pintura Renacentista temprana.
14- El estilo de la pintura del alto renacimiento.
15- El estilo de la pintura del Manierismo.
16- El estilo de la pintura Renacentista del norte de Europa.
17- El estilo de la pintura Barroca.
18- El estilo de la pintura Barroco Italiano.
19- El estilo de la pintura Barroco Francés.
20- El estilo de la pintura Barroco Español.
21- El estilo de la pintura Barroca.
22- El estilo de la pintura Barroco Flamenco.
23- El estilo de la pintura Barroco Holandés.
24- El estilo de la pintura Rococó.
25- El estilo de la pintura Romántica.
26- El estilo de la pintura del Realismo.
27- Desarrollo de la pintura del estilo Impresionismo.
28- Los pintores Impresionistas.
29- Movimientos Postimpresionistas.
30- Pintura del siglo XX anterior a la segunda Guerra Mundial.
31- El estilo de la pintura del Fauvismo.
32- El estilo de la pintura del Expresionismo.
33- El estilo de la pintura del Cubismo.
34- El estilo de la pintura Abstracta.
35- EL ESTILO DEL DADAÍSMO. EL DADAÍSMO
36- El estilo del Surrealismo.
37- La pintura americana anterior a la segunda Guerra Mundial.
38- La pintura a partir de la segunda Guerra Mundial.
39- El estilo del expresionismo Abstracto.
40- El estilo de la pintura Op art y Pop art.
41- El estilo de la pintura Nuevo Realismo.
42- El estilo de nuevas Tendencias Abstractas.
43- El estilo de la pintura Europea de la Posguerra.
44- El estilo Neoexpresionismo.
BREVE HISTORIA DEL ARTE DE LA PINTURA, DESCRIPCIÓN:
1- El ESTILO DE LA PINTURA CONTEMPORANEA EN ESPAÑA. La pintura española contemporánea, el arte moderno español lo componen los artistas españoles de fama internacional creadores de las obras de arte de vanguardia como Miró, Julio González, Pablo Picasso y Salvador Dalí, muchos de estos grandes artistas bebieron de la influencia de los grandes artistas de aquellos países donde vivieron y crearon como fueron Picabia, Calder, Masson, Tanguy, Magritte, Giacometti, en Paris entre 1920 y 1930, por esta razón hay críticos que abogan más que por una pintura netamente española, por una pintura contemporánea europea.
2- El ESTILO DE LA PINTURA PREHISTÓRICA Y ANTIGUA. Son las pinturas más antiguas y fueron realizadas en paredes de cuevas hace 30.000 años en el paleolítico y paulatinamente se desarrollo hasta el neolítico.
3- El ESTILO DE LAS PINTURAS RUPESTRES. Se encuentran en las cuevas de España como Altamira y en el sur de Francia, y muestran bisontes, caballos y ciervos, además de las imágenes de animales se expresan a través signos y símbolos. Estas pinturas se piensan que tenían una función ritual mágico religiosa Los pigmentos eran naturales de la tierra como los minerales mezclados con grasa animal, huevo, plantas, cola de peses y sangre.
4- El ESTILO DE LA PINTURA EGIPCIA. Apareció hace unos 5.000 años cuando los artistas egipcios decoraban las tumbas de los faraones con pinturas mitológicas y con actividades relacionadas como la caza, la pesca, la agricultura o la celebración de banquetes. Las características de estas pinturas denotan una cercanía a lo conceptual y menos realistas y anatómicamente resaltan los rasgos más sobresalientes y en una misma figura podían representar sus vistas frontales y la de perfil. Sus dimensiones representan la magnificencia y categoría del representado.
5- El ESTILO DE LA PINTURA MINOICA. Sobre las pinturas minoicas, surgen durante la Civilización del Egeo en Creta los expertos artistas minoicos decoraron palacios con pinturas realistas de gran precisión y buen gusto y aplicaban estas pinturas a sus cerámicas.
6- El ESTILO DE LA PINTURA GRIEGA. De los murales griegos solo se conservan algunos fragmentos que muestran el estilo de sus pinturas, en cambio destaca la gran cantidad de escenas mitológicas en su cerámica griega. Ilustradas con figura roja sobre fondo negro y viceversa. Representativas de gladiadores, deportes, batallas y escenas costumbristas.
7- El ESTILO DE LA PINTURA ROMANA, Los romanos decoraron los suelos de sus moradas con bellos mosaicos y frescos mostrando los rituales, mitos, paisajes, naturaleza muerta o bodegones y escenas cotidianas. Los artistas romanos dominaban la perspectiva aérea, espacial y con ella daban la ilusión de realidad a sus pinturas, esta técnica de la pintura romana consiste en rebajar y aclarar dejando borrosos los colores del fondo de forma que las figuras y objetos sobresaliesen y destacaran por su buen gusto.
8- El ESTILO DE LA PINTURA MEDIEVAL. La edad media desarrolló su arte en las fronteras norte del mundo romano.
La pintura medieval se clasifica por ciertas características del estilo de sus dibujos en el arte celta de los siglos V y IX en las islas Británicas y destaca por sus complejos dibujos caligráficos empleados en la decoración de manuscritos.
9- El ESTILO DE LA PINTURA GÓTICA. El periodo gótico tuvo una arquitectura que incorporaba las ventanas como elemento arquitectónico funcional y estético, y de esta manera dio prioridad a las vidrieras que destacaron por sobre el arte de manuscritos miniados. Muchos artistas laicos radicaron entre otros destinos en París y realizaron manuscritos miniados para los clientes reales.
10- El ESTILO DE LA PINTURA GÓTICO INTERNACIONAL. El estilo gótico internacional del norte de Europa e Italia de principios del siglo XV. Fue un estilo con una pintura que destaca por su minuciosidad de sus detalles, características de unos pintores estudiosos de la naturaleza, la figura humana y las fisonomías sicológicas de los personajes en el retrato.
11- El ESTILO DE LA PINTURA GIOTTO. El Giotto en la época medieval creo figuras humanas a tamaño monumental y sus obras de arte revolucionaron la pintura italiana, En la capilla Arena, en Padua entre 1305 y 1306; Giotto tiene parte de sus mejores obras con temas cotidianos referentes a Jesús y la Virgen María.
12- El ESTILO DE LA PINTURA RENACENTISTA. La pintura renacentista del renacimiento fue la revolución cultural de la Italia de los siglos XV y XVI, fueron inspirados en la cultura clásica de la antigüedad en este periodo tenían como característica a destacar una fuerte individualidad que motivo un ferviente impulso intelectual. Esta revolución se expandió al punto de que hoy en día al igual que en edificios seglares de Italia e iglesias en los museos del mundo podemos contemplar numerosas e incuestionables pinturas italianas renacentista.
13- El ESTILO DE LA PINTURA RENACENTISTA TEMPRANA. En este periodo distintos arquitectos y escultores del siglo XV desarrollaron los principios de la perspectiva lineal. Los pintores y artistas renacentistas como Andrea Mantegna, Paolo Uccello y Piero della Francesca dominaron la representación bidimensional que les confería la ilusión del espacio tridimensional, utilizando la perspectiva y escorzos estilizándolas en sus dibujos, creando la ilusión de prolongación de las figuras en el espacio. Llegaron a dominar la anatomía en la figura humana. En consecuencia la pintura al óleo por sus posibilidades más efectivas sustituía al fresco y el temple y con el tiempo los lienzos sustituyeron a las tablas.
14- El ESTILO DE LA PINTURA DEL ALTO RENACIMIENTO. Destacaron Leonardo da Vinci, Rafael, Miguel Ángel y Tiziano fueron los grandes maestros del alto renacimiento. Leonardo da Vinci nos en el renacimiento dejo pocas obras pictóricas pero geniales, su carácter polifacético le llevo a la investigación diseño e inventiva en diversos campos del saber, la mayoría de sus descubrimiento nos dejaron aportaciones importantes en cuestión de medicina y demás que siguen siendo de vigencia y actualidad en nuestros días.
Rafael perfeccionó los descubrimientos renacentistas en cuestión de color, composición, luces, sombras y tonos.
El genio pictórico del renacimiento fue Miguel Ánge y se nos revela en La Capilla Sextina del Vaticano, en frescos de la bóveda como la creación y la expulsión de Adán y Eva del Paraíso (1508-1512) y en su mural del Juicio Final (1536-1541) en Roma. Tiziano fue el genio que desarrollo en el renacimiento un estilo colorista en sus pinturas venecianas, trabajo obras maestras entre retratos, desnudos femeninos y representaciones de temas cristianos y mitológicos.
15- El ESTILO DE LA PINTURA DEL MANIERISMO. Los principales pintores del manierismo fueron Pontormo, Rosso Fiorentino, Parmigianino, Tintoretto y Bronzino. El manierismo no daba importancia a las líneas, al color, ni a la composición y fue el Greco un artista que se formo en Italia el manierista más conocido al establecerse en España, pintor emocional con obras apocalípticas.
16- El ESTILO DE LA PINTURA RENACENTISTA DEL NORTE DE EUROPA. A principios del siglo XV la influencia del renacimiento italiano llego al norte de Europa y uno de los pintores holandeses más importantes del siglo XV fue Jan van Eyck y Entre los artistas flamencos de la época destacan Rogier van der Weyden y Hugo van der Goes. Luego el pintor francés más importante de la época fue Jean Fouquet, destacado retratista y miniaturista renacentista. El pintor holandés El Bosco se interesó en el renacimiento por el valor expresivo de sus temas más que en la perspectiva y las proporciones anatómicas; El Bosco fue un pintor muy creativo, componía sus cuadros de figuras humanas, animales y objetos de formas y apariencia surrealista.
Los pintores alemanes Hans Holbein el Joven, Matthias Grünewald y Alberto Durero este último fue un genio renacentista conocido por su fuerza expresiva en la figura humana. Dureo fue humanista y un científico casi como Leonardo.
Entre los pintores holandeses del siglo XVI más importantes están Pieter Brueghel el Viejo, Brueghel. Estos artistas usaron símbolos e iconografía. El significado de los objetos no estaba en sí mismos sino que transmitían ideas abstractas. En Europa nórdica casi no se conocía la perspectiva lineal y no obstante los logros de la pintura flamenca y holandesa en las técnicas del óleo, como del temple fueron insuperables.
17- El ESTILO DE LA PINTURA BARROCA. La pintura barroca considerada como un gran estilo pictórico dramático, representativo del espíritu cultural de la Contrarreforma. El estilo barroco del siglo XVII fue un arte dinámico, componían priorizando entre otras líneas existentes, las líneas diagonales sinónimo del movimiento en el cuadro, remarcando el claroscuro.
18- El ESTILO DE LA PINTURA BARROCO ITALIANO. En el barroco el arte, la pintura barroca en Italia vivió un periodo artístico innovador. Los frescos de Annibale Carracci, Guido Reni, Guercino y Pietro da Cortona decoraron suntuosos palacios romanos y muchos fueron inspirados en la Capilla Sixtina por los murales de Miguel Ángel y Caravaggio quien con su estilo tenebrista de alto contraste en el claroscuro.
19- El ESTILO DE LA PINTURA BARROCO FRANCÉS. En el barroco francés tenemos el estilo de pintura de Caravaggio, la importancia de su estilo fue asimilada casi a la perfección por dos grandes pintores franceses Georges de la Tour y Louis Le Nain.
Georges de la Tour fue prodigo en el barroco por el dominio de efectos de luz y sombras sobre todo en el tratamiento de los rostros, las manos y objetos bajo el influjo de la vela, generando y enfocando gran luminosidad en puntos clave de la composición en sus obras de arte. Los artistas barrocos lucían por lo general una expresión clásica que dotaba sus obras de un claro equilibrio armónico, destacan Nicolás Poussin y Claudio de Lorena.
20- El ESTILO DE LA PINTURA BARROCO ESPAÑOL Los más destacados pintores del barroco Español fueron Francisco de Zurbarán, José de Ribera se influyeron del tenebrismo de Caravaggio. Ribera realista y Zurbarán fueron creadores excelentes destacados por sus pinturas de cuadros religiosos de profundo misticismo español. Sin dudas fue Diego Velázquez el artista español más objetivo e importante del barroco español, maestro del tono y del color. Fue un pintor desapasionado y realista al retratar a la familia real en Las Meninas del Museo del Prado 1656.
21- El ESTILO DE LA PINTURA BARROCA. En la pintura barroca las obras de arte del pintor Francisco de Zurbarán influyo en los artistas Melchor Pérez de Holguín, José Juárez y Sebastián López de Arteaga. Entre el final del siglo XVII y principio del siglo XVIII, los pintores mexicano Juan Rodríguez Juárez y el colombiano Gregorio Vázquez de Arce estuvieron influenciados por las escuelas sevillanas de Bartolomé Esteban Murillo y de Juan de Valdés Leal. Al final del siglo XVII destacaron los artistas europeos flamencos Simón Pereyns y los españoles Alonso López de Heredia y Alonso Vázquez, el italiano Mateo Pérez de Alesio.
22- El ESTILO DE LA PINTURA BARROCO FLAMENCO. Petrus Paulus Rubens fue un maestro flamenco barroco bien influenciado por el tenebrismo de la pintura de Caravaggio, Tiziano y Veronés. Petrus Paulus Rubens pinto cuadros geniales de línea fluida y gran dramatismo, muy iluminados, colorido, brillantes y vibrantes, de alto contraste de luz y sombras, Petrus Paulus Rubens consigue atrapar la atención del espectador por la técnica de sus composiciones y las curvas entrelazadas de sus figuras femeninas.
23- El ESTILO DE LA PINTURA BARROCO HOLANDÉS. El gran pintor Rembrandt fue el más destacado pintor barroco Frances, tuvo gran influencia de Caravaggio en sus primeras obras de arte durante el siglo XVII, otros artistas holandeses también destacados fueron Jacob van Ruysdael, Jan van Goyen, Frans Hals y Jan Vermeer.
24- El ESTILO DE LA PINTURA ROCOCÓ. Al principio del siglo XVIII el arte rococó florece en Francia y Alemania siendo una extensión del arte barroco, El arte Rococó es un arte cuyo estilo festivo y sereno está orientado a ilustrar las lujosas residencias de Paris a través de sus bellas pinturas. Jean Antoine Watteau fue uno de los pintores Rococo más sobresalientes junto a François Boucher, Jean-Honoré Fragonard y él pintor italiano Giovanni Batista Tiepolo. Los artistas ingleses del siglo XVIII más importantes del Rococo fueron William Hogarth, Thomas Gainsborough y Joshua Reynolds.
25- El ESTILO DE LA PINTURA ROMÁNTICA. Próximo al neoclasicismo el arte romántico se interesó por el arte medieval, lo místico, lo pintoresco, lo sublime y el estudio de la perfección creativa. Se dice que los pintores románticos preferían el color antes que el estilo neoclásico lineal. Motivaron la imaginación individual y la libre expresividad pictórica pasando del concepto intelectual neoclasicistas. DON FRANCISCO DE GOYA Además del romanticismo como movimiento imperante del siglo XIX, hubo otros estilos que no se dejan enclaustrar como el estilo de las pinturas de Francisco de Goya quien paso de la influencia rococó a los estilos expresionistas con obras alucinatorias.
26- El ESTILO DE LA PINTURA DEL REALISMO. El arte del realismo surge a mediados del siglo XIX cuando el pintor francés Gustave Courbet saco a la luz el movimiento llamado Realismo. Este artista Gustave Courbet opinaba que el artista tenía que pintar los acontecimientos cotidianos y comunes a la gente, aun cuando no existía ningún movimiento realista formal constituido en esa época.
27- DESARROLLO DE LA PINTURA DEL ESTILO IMPRESIONISMO. El primer pintor moderno fue Édouard Manet y a mediados del siglo XIX Édouard Manet fue el principal innovador de las pinturas década de 1860, su estilo fue precursor del impresionismo, desde Courbet, Manet encontró muchos de sus temas en la vida cotidiana y tomo de Velásquez y Goya en función de su época contemporánea, aplano las figuras, introdujo su pincelada libre y parches de colores yuxtapuestos.
Edgar Degas A finales del siglo XIX fue el maestro del trazo, pintaba temas que parecían captados por la cámara por sus movimientos, este pintor está vinculado con los pintores impresionistas aunque en lugar de paisajes prefería pintar figuras en interiores. Su estilo compositivo estaba influenciado por la fotografía y grabados japoneses. Sus cuadros tenían la característica de ser pintados con pasteles.
El estilo impresionista basado en los efectos de la luz sobre los objetos, perseguían trasladar sus ideas directamente al lienzo, con pequeños toques separados de color puro. El pintor Claude Monet fue el principal exponente del impresionismo, paisajista que atrapa como nadie la luz del sol refleja en los árboles y objetos. Fue un maestro de la luz y los colores. Otros creadores del impresionismo fueron Camille Pissarro cuyo interés por la geometría influencio posteriormente el Cubismo, Auguste Renoir, Paul Cézanne, tenían como característica la mayoría de los impresionistas que pintaban al aire libre.
28- LOS PINTORES IMPRESIONISTAS Y SUS PINTURAS. En el apogeo del movimiento impresionista, París se convirtió en el lugar de ronda de pintores y escritores que se manifestaban y reunían en sus calles y cafés. El impresionismo ó estilo Impresionista. Las obras de arte de este estilo aplican el color puro, el color es el principal protagonista en este estilo y su pintura es en forma de manchas impresionistas, compuestas por trazos sueltos donde se evita el uso del negro. Como características importantes es que pintan al aire libre paisajes y persiguen plasmar el impacto que bajo la luz se efectúa en la naturaleza de las cosas.
29- MOVIMIENTOS POSTIMPRESIONISTAS. El pintor Pissarro en 1880 se desvió hacia el divisionismo o puntillismo de Georges Seurat. A finales del siglo XIX los artistas Vincent van Gogh, Paul Gauguin y Henri de Toulouse-Lautrec en sus obras de arte ya mostraban el impresionismo y condujeron a desarrollar los estilos postimpresionistas. Una característica de la pintura de Van Gogh era la aplicación densa del color puro con pinceladas que impregnaban sus obras de expresión emocional. El estilo de Van Gogh; Los pintores del norte de Europa a principio del siglo XX, desarrollaron el expresionismo influenciados por Van Gogh. Las obras de arte de Gauguin emplean distorsiones de línea y color y es simbólica. Gauguin fue líder del simbolismo de 1890, seguido por el grupo de los nabis. Toulouse-Lautrec, influido por el estilo plano y los grabados japoneses.
30- LOSPINTORES DEL SIGLO XX, LAS PINTURA DEL SIGLO XX ANTERIOR A LA II GUERRA MUNDIAL. La característica del arte del siglo XX fue su diversidad y pluralidad de movimientos y estilos muchos de ellos originados en Europa antes de la II Guerra Mundial. Esos estilos ó movimientos de este periodo son el fauvismo, el expresionismo, el cubismo, el futurismo, el constructivismo, el neoplasticismo, el dadá y el surrealismo. Los estilos ó movimientos originarios de Estados Unidos en este periodo son el sincronismo y el hiperrealismo.
31- El ESTILO DE LA PINTURA DEL FAUVISMO. El pintor Gauguin con sus técnicas decorativas sobre el color y sus teorías influyeron sobre el grupo los fauces que lideraba Henri Matisse. Los primeros artistas europeos en descubrir la escultura africana fueron André Derain, Georges Braque y Maurice de Vlaminck, del mismo grupo fauces.
32- El ESTILO DE LA PINTURA EXPRECIONISTA, ARTISTAS DEL EXPRESIONISMO. Artistas que pretendían plasmar sentimientos y respuestas subjetivas distorsionando las líneas y los colores reflejando fielmente la realidad y que se unió al movimiento del expresionismo. En Alemania el grupo Die Brücke influenciados por las obras del noruego Edvard Munch, compuesto por los artistas jóvenes Ernst Ludwig Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff, Erich Heckel y Emil Nolde de 1905 y 1913 inspirados en el arte africano.
En 1911, entre los artistas Franz Marc y el ruso Wassily Kandinsky dirigieron la otra cara del expresionismo alemán con el grupo Der Blaue Reiter con los artistas August Macke, Gabriele Münter, Paul Klee y Alexey von Jawlensky quienes en Munich inspirados en el arte primitivo, el fauvismo y en el arte popular, luego aquella modalidad expresionista evolucionó hacia el arte abstracto. Al mismo tiempo el artista uruguayo Pedro Figari neoimpresionista expone sus obras en su país, en Buenos Aires y en París.
33- El ESTILO DE LA PINTURA CUBISTA, LOS PINTORES DEL CUBISMO. A principios del siglo XX Pablo Picasso y Georges Braque desarrollaron el cubismo en París entre los años 1907 y 1914, motivados por las formas geométricas de las obras de arte de Cézanne e inspirados en las formas dinámicas de las esculturas africanas. El cubismo fue el estilo artístico de mayor influencia en el siglo XX. El estilo cubista se rige por la descomposición de la imagen tridimensional en multitud de puntos de vista bidimensionales, obviando la perspectiva, el escorzo, el modelado y el claroscuro. El estilo cubista vivió diversos cambios en su desarrollo por Picasso, Braque, Robert Delaunay, Fernand Léger, y Juan Gris y Sonia Delaunay también por el grupo de artistas italianos formado por Umberto Boccioni, Gino Severini, Giacomo Balla y Carlo Carrà.
34- El ESTILO DE LA PINTURA ABSTRACTA. Los distintos estilos del arte abstracto se desarrollaron en países tales como Alemania, Estados Unidos, Rusia y los Países Bajos durante la segunda década del siglo XX. En Rusia los artistas crearon cuadros de composición geométrica y Kazimir Maliévich denomino suprematismo a su abstracción y Alexandr Rodchenko y El Lissitzky fueron los constructivitas. Cuando Piet Mondrian conoció el Cubismo creo la abstracción llamada neoplasticismo.
35- EL ESTILO DEL DADAÍSMO. EL DADAÍSMO, El movimiento dadaísta eligió el vocablo dada sin ningún significado explicito, para así generar sus protestas y repulsas a los criterios artísticos actuales. El dadaísmo fue creado por intelectuales suizos que estaban en contra de los valores burgueses y el militarismo de la primera guerra mundial. Algunos artistas dadaístas fueron George Grosz, Max Ernst y Francis Picabia pero Marcel Duchamp fue el principal de los pintores dadaístas quien desaprobaba el arte agradable y atractivo y presentaba objetos cotidianos como obras de arte (ready-made)
36- EL ESTILO SURREALISTA, PINTORES DEL SURREALISMO. Mientras dadaístas vivían al límite su oportunidad para crear sus obras de arte y experimentar, los surrealistas aprovecharon y se sirvieron de muchos de sus métodos y aperturas en el arte. El grupo de los surrealistas estuvo compuesto por los artistas Ernst, Salvador Dalí, Joan Miró, René Magritte, Jean Arp y André Masson. En Chile el pintor Roberto Matta combina el surrealismo y la abstracción, en México Frida Kahlo, pero fue André Breton el más emblemático quien presentó en 1924 un manifiesto denominando surrealismo al movimiento que proclamaba la superioridad del inconsciente y el papel de los sueños en la creación artística.
37- LA PINTURA AMERICANA ANTERIOR A LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL. Los pintores estadounidenses de principio de siglo Maurice Prendergast o Childe Hassam pintaban con un estilo impresionista cuadros sobre la vida de las clases altas, mientras que los artistas Robert Henri, John Sloan y George Bellows en sentido opuesto rechazaban este arte partidista burgués y se dedicaron a reflejar la vida en las calles de manera más realista.
En 1913 a raíz del Armory Show, expo internacional celebrada en Nueva York, los artistas de Estados Unidos Marsden Hartley, Joseph Stella, Arthur Dove, Georgia O’Keeffe y Stuart Davis se actualizaron con los estilos vanguardistas de Europa. Luego en 1930 otros artistas reaccionaron en contra de las influencias extranjeras. Otros artistas de esta época fueron Grant Wood y Ben Shahn y el realista del siglo, Edward Hopper. En América Latina destaco el mexicano Rufino Tamayo más tarde vanguardista, el argentino Antonio Berni.
38- LA PINTURA A PARTIR DE LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL. Mundialmente los artistas después de la segunda Guerra Mundial han evolucionado globalmente en la creación de nuevos estilos y en el desarrollo de los que ya existían como es el expresionismo abstracto, el Op Art y el Pop Art, el foto realismo y el minimalismo etc.
39- EL ESTILO DEL EXPRESIONISMO ABSTRACTO. El expresionismo abstracto es un movimiento ubicado en Nueva York entre 1940 y 1950 y se entiende que el expresionismo abstracto es resultado de tantos refugiados europeos, surrealistas, presentes en Estados Unidos. El surrealismo evidentemente atrajo a Jackson Pollock, Hans Hofmann, Willem de Kooning y demás quienes partieron del automatismo surrealista y del expresionismo, (Action Painting).
El expresionista abstracto Jackson Pollock, derramaba pinturas en los lienzos para crear motivos abstractos.
Los expresionistas abstractos Barnett Newman y Mark Rothko emplearon sobre el lienzo grandes extensiones de color sutilmente modulado. Destaca en Argentina Ronaldo de Juan con cuadros de tonos grises.
En Europa surgió un movimiento denominado informalismo que entre otros contó con Manuel Millares, Hans Hartung, Antoni Tàpies y Jean Dubuffet.
40- El ESTILO DE LA PINTURA OP ART Y POP ART. En 1960 se iniciaron nuevos estilos y movimientos y algunos pintores del movimiento Op Art fueron Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Jim Dine, Roy Lichtenstein y Andy Warhol. Todos estos artistas parten de la abstracción, como se puede apreciar en el Op Art que realizan Omar Rayo, Eusebio Sempere y Victor Vasarely. El creador del estilo Op Art fue el inglés Richard Hamilton y lo basaba en producir ilusiones ópticas abstractas sin que el Pop Art dejase de ser figurativo. Como característica de los artistas Pop es que estos adquirían las imágenes de anuncios, películas, de tiras cómicas y de objetos cotidianos.
41- El ESTILO DE LA PINTURA NUEVO REALISMO. El estilo del Pop Art en las décadas de 1970 y 1980 dio lugar al surgimiento de la pintura realista. Los realistas con el foto realismo consigue una pintura realista impersonal, perfeccionista. Destacan Philip Pearlstein, Alex Katz y Wayne Thiebaud y en América Latina el ecuatoriano Oswaldo Guayasamín.
42- EL ESTILO DE NUEVAS TENDENCIAS ABSTRACTAS. Las nuevas tendencias del arte abstracto evolucionan tras la potente subjetividad del expresionismo abstracto, los pintores del estilo abstracto inclinaron la tendencia de la pintura abstracta hacia una pureza formal impersonal, que termino en el minimalismo caracterizado por un arte geométrico con motivos rítmicos y colores lisos, cuyos principales miembros fueron Brice Marden, Kenneth Noland, Robert Ryman, Larry Poons y Brice Marden. El movimiento La Hard Edge Painting se desarrollo abstracciones muy complejas, dinámicas.
Duchamp afirmo que la pintura debía estar al servicio de la mente, el arte conceptual debía tratarse de una afirmación teórica ó una sola palabra que lo defina y exprese todo.
43- EL ESTILO DE LA PINTURA EUROPEA DE LA POSGUERRA. En la historia de pintura artística y la cultura en general después de la segunda Guerra Mundial, figuraron los pintores Jean Dubuffet y Karel Appel. En Gran Bretaña Francis Bacon, David Hockney conforman la pintura inglesa figurativa. En América Latina, el dibujante, pintor, moralista y escultor colombiano Fernando Botero empieza e exponer desde principios de la década de 1950. Sus personajes obesos recuerdan la influencia de los pintores del quattrocento italiano.
44- EL ESTILO NEOEXPRESIONISMO. En el periodo concerniente a 1980 artistas europeos y americanos se rebelaron contra la pureza formalista del arte abstracto y en consecuencia resurgió nuevamente y con más fuerza la pintura figurativa y narrativa que de denomina neoexpresionismo. Algunos miembros de este movimiento emplearon toscas pinceladas y colores fuertes en la creación de sus obras subjetivas en lugar de adaptarse a la representación realista.
CRONOLOGÍA DE LA HISTÓRICA DEL ARTE: La historia del arte comienza con el Arte en la prehistoria ó Arte prehistórico. ARTE ANTIGUO (CA. 5000 – 100 A. C.) incluye el Arte egipcio y Arte mesopotámico. ARTE CLÁSICO (2000 A. C.-300 D. C.) incluye el Arte griego y Arte romano. ARTE EN LA ALTA EDAD MEDIA (300-900) incluye el Arte paleocristiano, Arte visigodo, Arte bizantino, Arte prerrománico, Arte mozárabe, Arte carolingio, Arte otoniano. ARTE EN LA BAJA EDAD MEDIA (900-1400) incluye el Arte románico, Arte gótico, Arte mudéjar.
ARTE EN LA EDAD MODERNA (1400-1800) incluye el Arte del Renacimiento, Arte Manierismo, Arte barroco, Arte Naturalismo, Arte y pintura Rococó, Arte Clasicismo. ARTE EN LA EDAD CONTEMPORÁNEA DEL1800 AL SIGLO XIX, incluye el Arte Neoclasicismo, Arte Romanticismo, Arte Prerrafaelismo, Arte Nazarenos, Arte Realismo, Arte Impresionismo, Arte Neoimpresionismo, Arte Postimpresionismo, Arte Simbolismo, Arte Eclecticismo, Arte Esteticismo, Arte Historicismo, Arte Neorrománico, Arte Neogótico, Arte Neobarroco, etc. Siglo XX incluye el Arte del Modernismo, Arte Art nouveau, Arte Modern style, Arte Liberty, Arte Jugendstil, Arte Sezession, Arts & Crafts, Art déco, Arte naïf.
VANGUARDIAS (1905 – 1942) incluye el arte Fauvismo, Arte Cubismo, Arte Orfismo, Arte Rayonismo, Arte Futurismo, Arte Dadaísmo, Arte Expresionismo, Arte Die Brücke, Arte Der Blaue Reiter, Arte Nueva objetividad¸ Arte Pintura metafísica, Arte Surrealismo. Arte abstracto, Arte Neoplasticismo, Arte Constructivismo, Arte Suprematismo, Arte Racionalismo. ARTE MODERNO (1942-2000) incluye el Arte Expresionismo abstracto, Arte Informalismo, Arte Tachismo, Art brut, Arte Pintura matérica, Arte Nueva abstracción, Arte Abstracción postpictórica, Arte Op art, Arte cinético, Arte Nuevo realismo, Arte Pop art, Arte Minimalismo, Arte Hiperrealismo, Arte Happening, Arte Performance, Arte Instalación. Arte conceptual. Arte povera, Body art, Land art, Arte ambiental, Bio-Art, Arte digital, Arte postmoderno, Arte Transvanguardia, Arte Neoexpresionismo, Arte Neomanierismo, Arte Figuración libre, Arte del siglo XXI y no incluye los desarrollos de otras culturas no-occidentales.
OTRAS ARTES
Arte celta del siglo IX a. c. Arte ibérico de los siglos VI a IV a. c. Arte astur. Arte oceánico. Arte africano, de África sub-sahariana. Arte chino. Arte japonés. Arte hindú. Arte islámico, estilo artístico del islam. Arte precolombino, arte de Centro América y Suramérica. Arte normando.
© VICJES GONRÓD Genio del arte siglo XXI no genio, España.
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